Ojo con el Cine

Extraña muerte de Theo Angelopoulos en Atenas durante la filmación de una película sobre la crisis

2012-01-25T10:19:00.001-03:00

El galardonado director griego Theodoros Angelopoulos falleció anoche tras ser atropellado por una motocicleta durante la filmación de su última película en Atenas. El cineasta se encontraba con su equipo cerca de El Pireo y el accidente se produjo cuando Angelopoulos, de 76 años, intentó cruzar una calle muy transitada. Los informes iniciales sugieren que un policía montaba la moto, pero esto no ha sido confirmado. Angelopoulos fue llevado al hospital, pero sucumbió a las graves heridas horas más tarde.

Aunque Theo Angelopoulos inició su carrera en 1968, se hizo mundialmente conocido treinta años más tarde por su drama "La eternidad y un día", protagonizada por Bruno Ganz y que recibió la Palma de Oro. Fue uno de los más aclamados por la crítica y sus películas como El viaje de los comediantes, Viaje a Citera, Paisaje en la niebla o La mirada de Ulises ganaron numerosos premios. Su cine se caracterizó por el ritmo narrativo candencioso y de largas tomas donde desentrañaba los recovecos del alma humana. Esto le valió muchos elogios pero no siempre logró atraer a grandes multitudes.

La ocupación nazi de Grecia y los temas políticos relacionados con la Grecia moderna, fueron el trasfondo de su cine altamente comprometido. La película que filmaba en Atenas abordaba los efectos de la crisis de la deuda soberana griega y los ocultos intereses de la banca europea. No se descarta la hipótesis de que haya sido asesinado. La siguiente entrevista fue realizada la semana pasada y en ella Angelopoulus nos cuenta Cómo vivir dentro de la crisis:

A continuación, La eternidad y un día, de 1998:

Wim Wenders y su primera experiencia en 3D en "Pina"

2011-05-30T20:55:00.000-04:00

El cineasta alemán Wim Wenders se dio el gusto de realizar un sofisticado espectáculo en tres dimensiones con en el que rinde homenaje a la coreógrafa Pina Bausch. El autor de "Buena Vista Social Club" encontró en la tecnología 3D la herramienta que durante años le había faltado para poder capturar el movimiento de los bailarines. El resultado son 100 minutos de un exquisito viaje visual y sensorial plasmado a través de las cuatro piezas que Wenders escogió con Pina y de actuaciones de los bailarines del Tanztheater Wuppertal.

Pina Bausch, que colaboró con Pedro Almodovar en Hable con ella, conoció a Wim Wenders en 1985 y desde entonces mantuvo la idea de hacer una película junto al realizador de El amigo americano y Paris Texas. Pero el proyecto se fue retrasando ya que el cineasta no conseguía encontrar el modo adecuado de trasladar su arte a la gran pantalla. Esto lo halló Wenders el año 2007, cuando vio en el festival de Cannes la película-concierto "U2-3D" de la banda de rock irlandesa. A partir de ahí, ambos se embarcaron en el proyecto y seleccionaron un repertorio de cuatro piezas: "Café Müller", "Le Sacre du Printemps", "Vollmond" y "Kontakthof".

La película comenzó su rodaje en junio de 2009 y entonces pasó lo inimaginable: Pina falleció repentinamente el 30 de junio de 2009, y parecía ser el final del proyecto. Sin embargo, Wenders sacó adelante el proyecto dando un giro al sentido de la obra en la cual pasó de ser una película con Pina a una película para Pina, en la que sus bailarines son su voz. De este modo el conjunto de artistas responde en "Pina" a las mismas preguntas que les planteaba su maestra, pero en lugar de palabras utilizan el lenguaje del cuerpo y la improvisación, el movimiento.

"Pina miró dentro y aún más dentro de cada uno de nosotros. Pedía que nos abriéramos más y más pero a su vez nos protegía muchísimo", contó la bailarina Barbara Kaufmann. Para Wenders, Pina Bausch "se especializó tanto en lo que el alma le dice al cuerpo" que él se sintió un principiante. Y aún lo soy", afirmó.

Sidney Lumet, el creador de "Network" ha muerto

2011-04-10T03:00:00.002-03:00

Ha muerto Sidney Lumet, uno de los últimos grandes maestros de Hollywood. El director de Sérpico, Tarde de Perros, Doce hombres en pugna (en la imagen) o Network, la película que se adelantó al futuro que hoy estamos viviendo, se despidió de este mundo. Antes de hacerlo, alcanzó a presentarnos una de las miradas más lúcidas sobre el mundo actual plagado de codicia y ambición como lo fue Antes que el diablo sepa que estás muerto.

En honor a Lumet, uno de los grandes maestros del cine de las últimas décadas, cuelgo este artículo que escribió Ray Loriga sobre Sidney Lumet en El País

Los boxeadores mexicanos, que son los más peleones entre los boxeadores peleones de este mundo, suelen llamar al lugar del cuadrilátero donde uno nunca descansa, donde se pega y se encaja de veras, la esquina del dolor. En ese sagrado lugar decidió poner siempre el gran Sidney Lumet no solo su cámara sino también, y además, sus ideas.

Ni que decir tiene que esa esquina no asegura la victoria, si acaso, o tal vez con mucha suerte, la dignidad de la pelea.

El rostro de Al Pacino en Tarde de perros nos dice que el intento era insensato pero que las causas eran nobles, y así, con esa llama en el alma, se puede tratar de encender el fuego de vivir. A partir de ahora y sin Sidney Lumet será más difícil tratar de calentarse las manos.

Muerto Lumet muertos todos, cabría decir para quienes hemos aprendido a ser lo poco que somos en los márgenes de su inmenso talento y lo que es aun más importante, en los márgenes de su tremenda compasión. No hay otra palabra, como bien sabía Lumet, que nos acompañe tan dulcemente mientras tratamos de decir lo mucho de bueno que se puede contar todavía de los muertos sin suerte.

Lumet lo hizo todo y todo bien, aventuró el futuro en Network y comprendió el pasado, su corrupción y la corrupción de todas nuestras culturas, y viajó con elegancia en todos los trenes vigilados, o no, y por si nos faltase algo nos regaló la última y más noble derrota y victoria de un Paul Newman que ya no era el juguete de su industria, sino un hombre, como cualquiera, y por lo tanto, mucho más importante. Por si eso fuera poco escribió el libro que considero más sensato para quiénes pretendan ser alguna vez directores de cine, Making Movies, y casi se excusó por ello. Porque como todo en Lumet, no había ni un síntoma de arrogancia en su enorme clarividencia.

Su obra, su vida, el recuerdo de quienes tienen la suerte de recordarlo, elevan a Lumet a una condición que supera con creces la condición del artista, sin abandonarla.

Lumet era algo que otros no podremos ser nunca, un gran director de cine, y otra cosa aun más lejana e imposible, un buen hombre.

Y lo hizo todo enredado en una exquisita elegancia y sin dejar nunca de pelear en la esquina del dolor.

Wall Street 2: El dinero nunca duerme

2010-11-17T02:03:00.004-03:00

Es probable que quienes esperen ver en Wall Street 2 una película combativa al estilo de Capitalismo, una historia de amor, de Michael Moore, se lleven una decepción. También quienes esperen un acercamiento documental a los hechos. Para esto último, es mejor revisar La caida de Wall Street por quienes la hicieron, un gran documento realizado por The Wall Street Journal.

Porque Stone no hace ninguna película afilada o introspectiva sobre la crisis, como podría esperarse. Tampoco un filme que demuestre algunas de las contradicciones de la sociedad estadounidense (como sí lo hizo en JFK). Aquí se limita a seguir los pasos de ese personaje que a mediados de los años 80 marcó a toda una generación con la frase que ejemplificó el afán de acumulación capitalista: la codicia es buena. Pero, ¿sigue siendo buena la codicia tras el colapso de Wall Street?

Aquí es donde se llega a las sutilezas de Oliver Stone, quien en más de una ocasión se ha excusado de la imposibilidad de poner en pantalla las complejas operaciones de los Credit Default Swaps, el apalancamiento y la burbuja inmobiliara. Se las arregla en todo caso para mostrar la fragilidad de un sistema crematístico poblado de intrigas palaciegas, traiciones y venganzas que podrían haber servido de base a una obra de Shakespeare.

Han pasado los años y eso le permite a Gordon Gekko seguir el hilo de los hechos desde la perspectiva de un dinosaurio. Nada se da por nada y todo es negociable. Y aunque Stone mira cara a cara la crisis y logra instalar al espectador en la primera fila de la montaña rusa bursátil, no hay un intento más sesudo por desentrañar las estructuras del poder y sus consecuencias sobre el alma humana. Logra, sin embargo, crear un retrato sobre el mundo de las altas finanzas y el colapso al interior del sistema, con la manipulación excesiva de quienes se consideran amos del mundo. En uno de los momentos memorables de la película, Stone recrea una reunión de los banqueros en la sede de la Reserva Federal (Fed) en una escena que recuerda la reunión de los capos de la mafia en El Padrino, convocados por Vito Corleone para evitar el derramamiento de sangre.

Lejos de ser una película que desentrañe los misterios de la crisis, El dinero nunca duerme refleja la situación de un mundo descontrolado, donde quizá la única salvación esté en volver a las raíces y a los lazos de la sangre. Es una suerte de ironía que puede hacer a Michael Douglas el primer actor en recibir dos Oscar por el mismo personaje.

Ver comentario de Wall Street I

Claude Chabrol, un anatomista de las pasiones humanas

2010-09-13T11:45:00.002-04:00

El director de El bello Sergio y La ceremonia, entre otras grandes películas, reflejó en su cine las perversas relaciones de clase y de poder, y supo poner al desnudo la mediocridad pequeñoburguesa. Fue, asimismo, hasta el último de sus días, un refinado sibarita.

Luciano Monteagudo, Página 12

Se lo veía tan bien, tan a gusto en los festivales, disfrutando no sólo de presentar cada una de sus películas sino también –reconocido sibarita– aprovechando las bondades de cada ciudad para probar sus vinos y manjares, que parece aún más sorpresiva la muerte de Claude Chabrol, ocurrida ayer, a los 80 años, en su casa de París. Director emblemático del cine francés y uno de los padres fundadores de la Nouvelle Vague, Chabrol fue autor de una obra inmensa, tanto por la cantidad (más de sesenta largometrajes llevan su firma) como por el sello personal que le infundió a cada una de sus películas, al punto de que vista ahora, en su conjunto, su filmografía parece conformar una unidad indisoluble, apenas dividida en sucesivos capítulos, como si se tratara de una gran novela, cruel y desencantada, sobre la comedia humana.

Desde su primer largometraje, El bello Sergio (1958), que abrió las puertas de la Nueva Ola, hasta el último, Bellamy (2009), protagonizado por Gérard Depardieu, que pasó injustamente inadvertido por la cartelera porteña, Chabrol siempre abrevó en las fuentes más consecuentes de su cine: las perversas relaciones de clase y de poder; las ridículas formas rituales de la pequeña burguesía, particularmente de provincia; la ambición como siniestro motor social; y la mediocridad humana como horizonte insondable. Que toda esa declarada misantropía se expresara muchas veces con humor –sobre todo en la última etapa de su obra– no le restaba causticidad a su cine. Por el contrario, le sumaba filo, impertinencia, libertad a una obra que no dejaba títere con cabeza. Políticos, magistrados, pequeños comerciantes, trabajadores e incluso analfabetos: nadie quedaba a salvo de su impiadoso bisturí, con el que diseccionaba el cuerpo social.

En esa tarea encontró en Isabelle Huppert un alma gemela, un espíritu afín. Con ella hizo siete de sus mejores películas, desde Niña de día, mujer de noche (1978), donde una joven pecosa y frágil pero de mirada siniestra se convertía en la parricida Violette Nozière, hasta La comedia del poder (2006), en la que encarnaba a la jueza de instrucción Charmant-Killman, o sea –siguiendo una traducción literal– una encantadora matadora de hombres. Entre esos dos títulos, Huppert también fue para Chabrol la abortista de Un asunto de mujeres (1988), que ayuda a sus vecinas a liberarse del estigma de un hijo engendrado por el enemigo durante el infame gobierno de Vichy; la desafiante heroína de Flaubert en Madame Bovary (1991); la resentida y violenta femme du ménage de La ceremonia (1995), sin duda uno de los mejores films del dúo; la fría estafadora de No va más (1997), en pareja con Michel Serrault (otro actor favorito de Chabrol); y el centro más amargo de Gracias por el chocolate (2000).

“La admiro tanto...”, le reconoció a este cronista durante una entrevista para Página/12 en el Festival de Berlín de 2006. “Lo increíble de Isabelle es que puede interpretar cualquier personaje, con todas sus emociones y sus rasgos físicos. Después de todos estos años, no deja de sorprenderme. No sé, creo que si algún día escribiera un guión para una actriz obesa, lo cual parece imposible para ella, se me aparecería un día tan gorda como la que más y no me quedaría más remedio que darle el papel. Lo notable del caso es que nunca deja de ser ella misma. Tiene esta notable cualidad: puede convertirse en el personaje de la película sin perder su propia personalidad. Isabelle se las ingenia para aportar siempre su propia marca, y eso es lo que le da volumen, dimensión, realidad a su composición. Nos llevamos muy bien y no necesitamos hablarnos mucho, nos basta con darnos mutuamente pequeñas sorpresas en el rodaje. Lo notable de Isabelle es que, al menos yo, no tengo la necesidad de escribir un guión a su medida, como el traje que le corta a uno el sastre. Por el contrario, puedo pensar en un proyecto con gran libertad, tratando de escribir el mejor guión posible, sabiendo que luego, una vez terminado, si a ella y a mí nos parece bien, ella lo va a poder habitar, lo va poder hacer suyo. Ella siempre va a estar muy bien, salvo que el guión sea demasiado estúpido. E incluso si se trata de un guión estúpido, ella siempre va a encontrar la manera de hacer interesante su personaje.”

Nacido el 24 de junio de 1930 en el seno de una familia de clase media, Chabrol pasó los años de la Ocupación en el pueblo de Sardent, en la Francia central, una región a la que volvería para rodar su primer largo, El bello Sergio, donde no la evocó precisamente con buenos ojos. Empujado por sus padres para estudiar Medicina en París, rechazó el mandato familiar y se dedicó a frecuentar los cineclubes del Barrio Latino y la Cinemateca Francesa, donde conoció y se hizo amigo de otros jóvenes que compartían la misma pasión por el cine clásico de Hollywood: Jean-Luc Godard, François Truffaut y Eric Rohmer. Junto a ellos, integraría –bajo la tutela del maestro André Bazin– la legendaria redacción de los Cahiers du Cinéma, que a mediados de los años ’50 desarrolló la teoría del cine de autor y revolucionó la manera de pensar el cine, al punto que aún hoy se percibe su influencia. A su vez, junto con Rohmer, Chabrol escribió en 1957 el primer estudio serio sobre la obra de Alfred Hitchcock, una exhaustiva exégesis formal y temática que fue la piedra basal sobre la cual se construyó luego todo análisis posterior sobre el director inglés.

Simultáneamente, todos empezaron a pasar de la teoría a la praxis. Gracias a una herencia que cobró su mujer, Chabrol pudo producir Le beau Serge, premiada en el Festival de Locarno 1958 y con la que probó que en Francia se podía hacer cine al margen del sistema de los estudios. Al año siguiente, con Los primos, se llevó el Oso de Oro de la Berlinale 1959 y aunque esa película hoy luce irremediablemente fechada, sentó sin embargo las bases de su cine posterior. Un cine en el que –según la teoría del crítico británico Ronald Bergan– se suelen enfrentar dos personajes de personalidades opuestas, uno de carácter peligroso y dionisíaco y otro representante del orden y el statu quo. Con el paso del tiempo Chabrol fue privilegiando el lado más oscuro de esta dualidad, como lo prueban los psicópatas y asesinos seriales que pueblan una parte importante de su obra y que en apariencia no se distinguen demasiado de cualquier otro ciudadano común: el amable protagonista de El carnicero (1970), el simpático sombrerero de Les Fantômes du Chapelier (1982), el famoso asesino de mujeres Landru (1962) o el motociclista que trae el amor y la muerte en Estas buenas mujeres (1960).

La novela policial siempre fue una fuente de inspiración para Chabrol y aunque lo adaptó en apenas dos oportunidades –en Los fantasmas del sombrerero y en Betty (1992)–, la sombra inmensa de Georges Simenon planea sobre gran parte de su cine. Tanto que el que ahora se convirtió en su largometraje final, Bellamy, está dedicado a sus dos queridos Georges: el cantante y compositor Brassens y el gran Simenon. Se diría que Chabrol aprendió de Simenon a trabajar a partir de un fait divers, de un vulgar caso policial, que solía tomar de las páginas olvidadas de la prensa amarilla, como fue, por ejemplo, el caso de Violette Nozière. Y como solía hacer Simenon, allí hundía su escalpelo en la que para Chabrol era la única clase social que quedó en Europa, la burguesía, con sus pequeñas miserias cotidianas, su mezquindad, su arribismo, su afán de éxito, de ascenso social y figuración. Que todo esto lo analizara con un humor ácido, vitriólico, con el que iba arrancando –ligeramente, como al pasar– gajos enteros de sus criaturas es el sello que hizo de Chabrol un impiadoso anatomista de las pasiones humanas.

Muere el cineasta francés Alain Corneau

2010-08-30T16:48:00.002-04:00

El director, guionista y productor francés Alain Corneau, especializado en el género negro, falleció este domingo, a los 67 años, en un hospital de parís.

Su última película, 'Le Crime d'Amour', con Kristin Scott Thomas y Ludivine Sagnier en los papeles protagonistas, acaba de estrenarse en Francia. Corneau, que también ejerció como productor, fue distinguido en 2004 con el Prix René Clair por su trayectoria cinematográfica. En 1992, su drama histórico 'Tous les matins du monde' ('Todas las mañanas del mundo') ganó el César a la Mejor Película y Mejor Director.

Fascinado por el cine estadounidense, Corneau era compañero de la cineasta y escritora Nadie Trintignat, madre de la fallecida actriz Marie Trintignat.

Corneau nació el 7 de agosto de 1943 y se formó como músico antes de iniciar su carrera cinematográfica. Sus años de prácticas como asistente del director griego Costantin Costa-Gavras durante los años 70 hicieron que en 1973 tomase una cámara por primera vez y rodase 'Francia, sociedad anónima', una película que resultó un fracaso comercial. Posteriormente en 1976, inspirado por el personaje de 'Harry el sucio' hizo 'Policía Phyton 357', protagonizada por su gran amigo Yves Montand, con quien coincidió de nuevo en 'La amenaza' (1977) y en 'La elección de las armas' (1981), dos clásicos del cine negro francés.

Al mismo tiempo adaptó la 'Serie Negra' (1979) protagonizada por los cómicos ya fallecidos Patrick Dewaere y Marie Trintignant. a partir de los años 80 el realizador experimentó con otros géneros y protagonistas como Gérard Depardieu en 'Fort Saganne' (1984), que fue en su época la película más cara del cine francés. En 1992 'Todas las mañanas del mundo' basada en la novela de Pascal Quignard que cuenta la historia de Marin Marais, un violinista del siglo XVII, encarnado por Jean-Pierre Marielle.

Alain Corneau volvió a adaptar novelas intimistas en películas como 'Estupor y temblores' (2003) adaptado de la novela del escritor Belga Amélie Nothomb o 'Las palabras azules' (2005) basado en la novela homónima de Dominique Mainard. Y un año después cumplió su sueño al adaptar al cine la novela de su ami José Giovanni 'El segundo soplo', protagonizado por Daniel Auteuil y Monica Bellucci.

Una escena de "Serie Negra" (1979) con Patrick Dewaere y Marie Trintignant:

The Hurt Locker

2010-03-19T03:25:00.005-03:00

Una cosa que queda en claro al ver esta potente película de Kathryn Bigelow es la inutilidad total y el absurdo de la guerra. Es curioso que solo una mujer pueda tener esta mirada tan lúcida para dar cuenta de la repugnancia de la guerra y sus efectos. Porque a diferencia del romanticismo que aún gravita en esas películas emblemáticas de la guerra de Vietnam como Apocalipsis Now o El Francotirador, The Hurt Locker (traducida en algunos sitios como En tierra hostil) destila malestar por los cuatro costados.

La directora de ese notable thriller que es Punto de quiebre, con Keanu Reeves y Patrick Schwaize asaltando bancos disfrazados de ex-presidentes y surfeando en olas imposibles, hace la película con más testosterona de la década para dejar en claro el absurdo y la total enajenación de una guerra tan absurda y enajenada como la de Irak.

Bigelow se anota además el acierto de no asumir una posisión "política" (ni de abierto rechazo o tácita aceptación) frente a la guerra, sino que deja que sean los mismos hechos los que den cuenta de este mundo enfermo y desquiciado. Algunos la acusan de asumir una posición "ambigua" frente al descalabro bélico y genocida que los estadounidenses cometen en Irak. Sin embargo, Bigelow va más allá al mostrar la insanía y putrefacción de un mundo enfermo. Ese mundo que no le tiene respeto a la vida. Que haya ganado el Oscar de Hollywood a la Mejor Película y Mejor Dirección, da cuenta del masivo rechazo que despierta la Guerra de Irak entre los propios estadounidenses. Un mérito nada de despreciable cuando en las otras películas predomina la enajenación.

A cincuenta años de "Sin Aliento"

2010-03-16T11:29:00.003-03:00

Hace cincuenta años, el 16 de marzo de 1960 se estrenaba About de Souffle, la ópera prima de Jean-Luc Godard, el emblema máximo de la 'Nouvelle Vague' y un referente generacional para un mundo que buscaba la ruptura, la trasgresión, el inconformismo.

Sin Aliento, o "Al final de la escapada", se rodó en apenas un mes con un equipo reducido y un presupuesto irrisorio que Jean-Luc Godard supo compensar a base de travellings y planos rodados desde una cámara emplazada en una motocicleta de las que se utilizaban para repartir el correo y que tanto bien le haría al filme. La cámara que hasta entonces había permanecido en los estudios salió así a las calles dando gran vitalidad a este thriller mezcla de cine negro, historia romántica y película de gángsters.

Protagonizada por Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg, Sin Aliento cuenta con el guión de Francois Truffaut y una colaboración estrecha con Claude Chabrol, una trilogía de cineastas que cambiaron la manera de hacer cine.

Más de 400.000 personas disfrutaron en su estreno de las aventuras de Michel Poiccard, un ratero de poca monta cuya vida queda alterada al conocer a Patricia, la joven que le roba el corazón con sus sueños y su ingenua pasión por la vida. Admirador de Humphrey Bogart, a quien homenajea moviendo el pulgar sobre los labios como hacía uno de los personajes encarnados por el inmortal protagonista de Casablanca, Poiccard se ve a sí mismo como una especie de protector de Patricia, un hombre curtido en las hieles de la existencia cuya misión es descubrir un mundo nuevo a la frágil muchacha que tiene a su lado.

Pero Godard no tiene intención de hacer una película romántica, sino un canto a la juventud y mostrar con toda su crudeza el reverso amargo de las ansias de libertad que por entonces latían a uno y otro lado del Atlántico. Así, Poiccard termina abatido por las balas de la policía tras un absurdo incidente y la posterior traición de Patricia, que no está dispuesta a ser la Bonnie de este particular Clyde. Godard dirige su dedo acusatorio contra ella a través de un par de contraplanos en los que Patricia corre mientras su enamorado se desploma sobre el asfalto.

Sin Aliento ganó el Oso de Plata en el Festival de Berlín de 1960 y descubrió al mundo el descomunal talento de ese genial retratista de las emociones humanas que es Jean-Luc Godard, autor de títulos clave en la historia del séptimo arte como Pierrot el loco (1965) o Todo va bien (1972). Á bout de souffle, marca el punto de inflexión entre un mundo que se apaga y otro que comienza, un vértice en el que late el aliento del mejor thriller estadounidense conjugado con el lirismo de la cinematografía francesa; un 'tour de force' entre Belmondo y Seberg rodado con una estética de falso documental que cautivó y sigue cautivando a millones de cinéfilos y que marcó el punto culminante de esa corriente imperecedera que fue la Nouvelle Vague.

Estamos de regreso

2009-08-04T18:10:00.001-04:00

Pronto habrá gran material de cine en este sitio. Por ahora, sólo un adelanto:

Tony Manero, el psicópata fetichista

2008-10-10T09:51:00.002-04:00

Tony Manero era el protagonista de la película Fiebre de sábado por la noche, que con música de los Bee Gees arrasó en las taquillas de fines de los años 70. Este personaje, interpretado en el filme de John Avildsen por John Travolta, era el empleado anodino de una fábrica que, sin embargo, se transformaba en el rey de las pístas de baile los sábados por la noche, momento en el cual adquiría su verdadera identidad. La fascinación de este personaje logró cautivar a muchos que siguieron su ejemplo y sus movimientos haciendo de la "onda disco" y de las noches de sábado el auténtico sentido de la vida.

Gran parte de esto aparece retratado en la película Tony Manero realizada por Pablo Larraín. Hay que decir, de partida, que Larraín da aquí un salto considerable frente a los ripos de Fuga, su anterior obra, que pecaba de un relato débil y un tratamiento mortífero que diluía los principales objetivos en relación a la creación artística (el protagonista de Fuga es un músico). En esta nueva incursión, Larraín se ve sólido al enfrentar el tema del fetichismo psicópata del personaje, que se enajena en el Tony Manero de Travolta y absorbe y vive cada una de sus acciones.

Por ello Raúl Peralta en verdad no existe. El personaje que construye Alfredo Castro es un psicópata obsesionado con el héroe de las discotecas que en la enferma sociedad chilena de fines de los años 70 es su héroe natural. Peralta/Manero no tendrá límites para alcanzar su objetivo y va al cine una y otra vez a impregnarse de los trazos de su ícono, aprendiendo los diálogos, los movimientos, las acciones. Y empapado asimismo en el contexto demencial de la época (desaparecidos, torturas) nada lo detendrá en aras a alcanzar su objetivo.

Obra fuerte y directa, Tony Manero no da tregua. A la perfecta ambientación de epoca y al recordatorio de programas como El show de la una, este filme tiene momentos perturbadores e inquietantes de gran inspiración, con agudas observaciones sociales que calan hondo en el alma humana.

Wall Street, de Oliver Stone (1987)

2008-10-03T00:15:00.003-04:00

Esta película es una de las muestras más descarnadas de nuestra histora reciente. Si Oliver Stone con Pelotón dio cuenta del genocidio y la masacre vietnamita, con Wall Street muestra el mundo que se cocinaba en el corazón de las Twin Towers y bajo las narices del imperio financiero que veinte años más tarde terminaría por reventar esparciendo sus esquirlas a todo el planeta.

La decadencia del imperio estadounidense no pasa por el desplome de las Twin Towers (en este filme tenemos siete planos memorables de las torres gemelas), ni por la caída del Muro de Berlín... Como muestra Stone, el germen de la putrefacción venía incubándose de mucho antes. La caída del muro y de las Twin Towers solo aceleraron la debacle de la hegemonía estadounidense.

El relato que nos muestra Stone es sangriento, aunque no haya sangre. Los personajes están insatisfechos, enfermos, estressados, con deudas, cuentas pendientes y su única razón de ser es la esperanza de que el próximo negocio arroje suculentas ganancias. Los mueve la ambición y el egoísmo, la busqueda del dinero fácil, vía trampas, desmesura, uso de información privilegiada, chantajes... todo aquello que Mandeville o Smith intentaron demostrar y sobre lo cual construyeron sus dogmas.

Bud Fox, el protagonista, es uno de estos seres. Vive de prestado y su sueño es conocer a Gordon Gekko, suerte de gurú financiero que en pocos años ha amasado una enorme fortuna. La filosofía de Gekko se resume en las enseñanzas de El arte de le guerra de Sun Tsu y la agresividad y prepotencia en los negocios: levanta o envía a la quiebra a empresas por el mero recurso del spread, o diferencial de ganancia. Bud Fox no sabe que será una víctima más de los tentáculos de Gekko y que caer en esas redes puede ser mortal.

El filme posee una dinámica implacable y la música de Stewart Copeland (ex The Police) aporta las pinceladas precisas a ese oscilar entre el delirio y la frustración. Algunas memorables perlas de la banda sonora: Frank Sinatra cantando Flying to The Moon, en los créditos iniciales, y Brian Eno y David Byrne con Americam is Waiting, dos de los temas centrales que dan intensidad a este filme-radiografía sobre la génesis de la codicia, la ambición y la cultura del saqueo moderno. Imperdible.

El mundo está loco, loco, loco

2008-09-27T00:00:00.000-04:00

Esta película es un clásico de la codicia. No en el tono parco de la que hizo Erich Von Stroheim en 1924, sino en tono de sarcasmo, quizá atisbando a la sociedad estadounidense que comenzaba a caer en el vacío. En este sentido este filme es premonitorio al señalar el germen que se incubaba en esa sociedad. Y ahora, que se están poniendo de moda los términos "codicia", "avaricia", "salvajismo", vale la pena revisar este clásico de Stanley Kramer realizado en 1963.

El filme muestra a un grupo de personajes que en plena carretera tropiezan con uno de esos secretos que cambian la historia. Y para siempre. Un sujeto que ha adelantado a cuatro vehículos a 120 km/h cae a un barranco y antes de dar el último suspiro cuenta a quienes llegan a socorrerlo que hay un tesoro de 350 mil dolares enterrado en un parque. Los buenos samaritanos no saben si creerle o no, pero optan porque sí y parten tras el tesoro.

De nada sirve el intento de negociación que surge al poco andar de la carrera. Los egoísmos individualistas son más fuertes y son los que predominan. Cada personaje querrá ser el primero en llegar al tesoro y no escatimará recursos para ello via engaños, estafas, fraudes, zancadillas al próximo, etc. Sin tregua. El drama moral es que hay también un personaje público -el jefe policial que lleva años tras la huella de esa fortuna robada- interpretado por Spencer Tracy que dará el giro dramático a esta historia pues su personaje está a punto de jubilarse con una pensión miserable.

Esta es una película emblemática que muestra la codicia del animal humano en su forma más pura. Stanley Kramer logra una comedia sorprendentemente ágil, amena, imposible de soltar... es una gran obra fílmica y también una radiografía a la sociedad actual, al egoísmo y la avaricia que tienen al mundo patas arriba.

Heredarás el Viento - Stanley Kramer, 1960

2008-09-01T00:26:00.001-04:00

Aunque cueste creerlo, en muchos pueblos de EEUU el fundamentalismo religioso se opone a la teoría de la evolución por considerarla falsa y contraria a las enseñanzas de Dios. Y pese a que la teoría de Darwin se apronta a cumplir 150 años, los fundamentalistas continúan negándola y se oponen a su difusión. Por ello no sorprende que esta película, realizada en 1960 por Stanley Kramer, mantenga una insospechada vigencia, más aún cuando el caso real –conocido como el Juicio Scopes o The Monkey Trial- ocurrió en 1925, hace más de 80 años!

El caso Scopes fue famoso porque enfrentó a dos de los más notables abogados de su tiempo en un debate donde creacionismo y evolucionismo se dieron una lucha sin cuartel. Uno de ellos defendía al profesor de una escuela que fue demandado por enseñar las ideas de Darwin sobre la evolución de las especies. El otro, era el acusador que calificaba de herejía la idea de un desarrollo evolutivo para la especie humana. Desde entonces y hasta hoy, muchas corrientes de la moderna biología niegan el paradigma evolucionista y hacen perder terreno a la teoría darwiniana, pues en los EEUU de Bush, aún hay muchos que tienen a la palabra bíblica como su único referente. Y esto hace aún más interesante la película de Kramer.

Es este un filme quizá envalentonado por el que realizó Sydney Lumet con Doce hombres en pugna (1957), en el cual gran parte de la acción transcurre en el juicio y la deliveración del jurado, donde pesan los argumentos y la capacidad de sermonear y convencer al otro. Heredarás el viento (Inherit the Wind, 1960) centra gran parte de su acción en el juicio mismo con la oposición entre ciencia y religión en las potentes interpretaciones de Spencer Tracy y Fredric March, como los abogados, y Gene Kelly como un reportero que gusta del sarcasmo. Aquí, por cierto, dominan los diálogos, las posiciones encontradas, la discordia tajante entre Fe y Ciencia, los partidarios del auditorio que en su inconciencia, son masa vacía y hueca, que aplauden a uno y otro siguiendo más la retórica que el sentido. De ahí el título del filme: el pueblo, mera comparsa que hay que avivar en época de elecciones (hay uno que recuerda a cada momento que “falta poco para noviembre”) no hereda nada de la discusión, solo “el viento”.

Una película fascinante y de poderosa intensidad, que invita a verse para comprender algo del debate entre creacionismo y evolucionismo, que se han cruzado en una lucha sin cuartel hasta los tiempos actuales.

Batman, y el lado oscuro del Imperio

2008-08-16T01:26:00.000-04:00

Christopher Nolan es uno de los más singulares directores del cine actual. Sus películas apuntan a la psiquis, a las conciencias escindidas y atormentadas, a la locura intrínseca de ese terror contemporáneo que nos invade de pies a cabeza. Además, es un cineasta de una narrativa al límite. Memento, es un relato a la inversa, sobre un personaje sin memoria que se hace tatuajes con sus escasos recuerdos y toma fotos para intentar –cuadro a cuadro- recuperar su pasado y captar el esquivo presente. Insomnia, muestra a un policía que no puede dormir acosado por sus culpas y la misión en Alaska –en el período de las noches claras- le entrega el descanso final de la muerte cuando reconcilia su pasado. El gran truco estaba marcada por la obsesión de un mago por la invisibilidad, siguiendo los extremos y desbordes de Houdini.

En su precuela sobre Batman -Batman inicia- Nolan se alejó de los entramados góticos de Tim Burton para introducir la variante del terrorismo como un comodín en la acción politica. Sus resonancias a Al Qaeda y Bin Laden eran lo suficientemente explícitas para establecer la conexión ideológica post 11-S con el eje del mal, a través de ese ejército de ninjas liderado por Ra’s Al Ghul, que busca borrar del mapa a Ciudad Gótica. También desentrañó los misterios de la alta tecnología que usa el personaje: Bruce Wayne, el hombre tras el disfraz, es un poderoso empresario y una de sus vertientes productivas es la industria militar. De ahí el batimóvil, la baticapa, el sofisticado armamento. En aquella, la ciudad era víctima de la acción terrorista de unos villanos que quieren envenenar el aire y el agua con un poderoso alucinógeno (ántrax?). Las referencias a la paranoia de los terrores contemporáneos es contundente.

El caballero de la noche sigue ese trato ahora en dosis mayores, plagada de un diálogo donde lo político, la hipocresía, la burda intención, resuenan en diálogos y acciones calcados de los líderes de la potencias mundiales. De ahí que sea una película altamente política, oscura, nada complaciente, donde el villano más siniestro –el Joker, interpretado por Heath Ledger en la mejor actuación de su corta carrera- representa la locura e insanía de un mundo que se ha tornado cada vez más despiadado en virtud de las trampas ideológicas a las que no está ausente el mismísimo Wayne con su industria militar, los tratos con la mafia internacional y los fraudes financieros.

Es aquí donde la acción del Joker se apodera del eje narrativo tal como el personaje que interpretó Jack Nicholson en el primer Batman de Tim Burton encausaba la acción. Este Joker es la autoconciencia del sistema: quema una montaña de dólares simplemente para provocar más terror. Es la encarnación del virus mortal de la sociedad norteamericana: aquel que ha hecho vaciar ametralladoras contra los propios compañeros de colegio; aquel que asesina a los pasajeros en el Metro o en un Mall. Frente a este Joker, la estructura pragmática de Batman nada puede hacer. Y es sorprendente el momento en que Batman debe salir huyendo de Ciudad Gótica para que no lo capturen a él como el principal asesino. Con una mirada crítica y lúcida sobre la sociedad actual, Christopher Nolan se despacha el mejor de los Batman.

A 25 años de la muerte de Luis Buñuel

2008-07-29T08:31:00.000-04:00

Afiche de Un perro andaluz

La escena se ha repetido miles de veces. Y pone la piel de gallina: En primer plano, un joven fuma serenamente un cigarrillo mientras saca filo a una navaja con una correa. Observa el cielo nocturno. Una nube corta la luna. El joven separa con los dedos los párpados de una mujer que mira la cámara y que sabe que la miramos, acerca la navaja al ojo abierto y lo rasga de un solo tajo. El joven es Luis Buñuel, y la escena de Un perro andaluz (1928) sigue estremeciendo. Desde su primera película -realizada junto a Salvador Dalí-, Buñuel concibió la pantalla de cine como un ojo dormido que debe ser despertado por un cámara que haga las veces de navaja, clavo, alfiler. "Si se le permitiera, el cine sería el ojo de la libertad -señaló una vez-. Por ahora podemos dormir tranquilos dado el conformismo del público y los intereses comerciales. Pero el día en que el ojo del cine vea y nos permita ver, el mundo estallara en llamas"

Luis Buñuel, pilar de la cinematografía mundial, cumple hoy 25 años de fallecido. En España será recordado con una exposición de mil fotografías de sus películas. En otros lugares se exhibirá La edad de Oro o El fantasma de la libertad; El discreto encanto de la burguesía o Los olvidados, una película declarada patrimonio cultural de la humanidad.

Nacido el 22 de febrero de 1900 en Calanda, Teruel, estudió y vivió en Zaragoza y hasta fue campeón amateur de boxeo con el sobrenombre de El León de Calanda. Junto a Dalí crearon ese movimiento llamado surrealismo que dió vida a Un perro andaluz y La edad de oro. Fue amigo de Federico Garcia Lorca, Rafael Alberti, Juan Ramón Jimenez. La dictadura de Franco lo obligó a huir de España y llegar a Hollywood. Pero se radicó definitivamente en México en 1946. Hasta su muerte, el 29 de julio de 1983.

A sus 80 años, Un perro andaluz está considera una de las grandes obras de la historia del cine, aunque en su tiempo fue criticada, censurada y prohibida por la iglesia. “No quiero que mi película alegre a los espectadores, sino que los ofenda”, afirmaba sobre la intención de la cinta. Sin embargo, lo que en aquel momento conmocionó a la audiencia luego sería modelo de muchos directores incluyendo a maestros como Hitchcock, Bergman, Polansky.

Luz de Invierno

2008-06-28T17:26:00.000-04:00

José Luis Arredondo

Dentro de la vasta producción Bergmaniana, esta cinta asoma como uno de los más lúcidos estudios sobre la soledad y la duda que nos haya legado el genio sueco. La soledad en la que indefectiblemente nos encontramos a pesar de estar rodeados de semejantes y la duda de saber con certeza, y más allá de toda incertidumbre, que efectivamente hay un ser superior que nos ha creado y vela por nosotros como un padre.

Los protagonistas se debaten en la incertidumbre más absoluta, el pastor Tomás frente a su perdida fe y sentido religioso en donde la misa ha pasado a ser un rito vacío y mecánico ante una duda que es dolorosa certeza, la inexistencia de Dios como un ser metafísico pero posible.

Jonás frente al incierto y frágil destino de la humanidad después de haber leído que China se prepara para ser potencia atómica (recordemos que esta cinta es de 1963).
Y completando el trío, Marta, frente a un obsesivo y no correspondido amor por Tomás, una maestra rural que se ha entregado por completo al pastor y de quien no recibe más que migajas de cariño.

Hasta el ayudante-sacristán de Tomás, un ser discapacitado que carga su cruz de dolor físico y existencial al sentirse partícipe del dolor de Cristo en la cruz y a quién debemos un dialogo crucial cuando le dice al pastor que la biblia da demasiada importancia al dolor físico de Jesús torturado, cuando para cristo el dolor más intenso fue haberse dado cuenta que predicó en el desierto ya que ninguno de sus discípulos supo entender en profundidad su mensaje y legado, desde judas que traiciona hasta Pedro que niega para finalmente dirigirse a su padre a quien angustiado y moribundo desde la cruz le dice "Porqué me has abandonado".
Aquí esta, a mi parecer, el qué del filme, los personajes son metáfora del dolor y abandono de cristo en el calvario, seres abandonados a su suerte, corroídos por el abandono y el amor no correspondido, cargando cada cual su cruz de angustia e incertidumbre.

Toda la filmografía, o gran parte de ella, de Bergman esta cruzada por caracteres de este tipo, seres arrojados al vacío existencial y torturados por sus dudas, soledad, aislamiento interior y falta de sentido, pero en esta cinta es donde más patente se hacen estos tópicos.

Un filme de cámara, deudor de la formación teatral de Bergman, en donde se privilegian largos planos-secuencia y primeros planos de rostros angustiados.
A la gran obra de T. Dreyer "El proceso de Juana de Arco" se le llama una sinfonía de rostros, bien vale esto para el filme aquí comentado, titulo imprescindible, junto a Gritos y Susurros y El séptimo sello entre otras, para adentrarse en la obra del último genio que nos dio el séptimo arte.

Enlace a Blog de José Luis Arredondo

La pesadilla kafkiana de El Maquinista

2008-06-26T02:17:00.002-04:00

Esta película protagonizada por Christian Bale compartió los premios con Old Boy en el festival de cine fantático de Sitges del año 2004. No obstante, y muestra de que han cambiado los tiempos, es el cine "fantástico" el que más nos acerca a la realidad, a la cosa misma de la vida y ello hace que estemos ante una película plenamente cercana a nuestra conciencia. Porque si Old boy es un muestrario de pasiones y celos enclaustrados, con la venganza como eje inquietante, aquí es la conciencia, los remordimientos, la culpa, los que los que dominan la mente de Trevor Reznick.

Se trata de una película laberíntica, kafkiana, psicológicamente potente al dar cuenta de los desvaríos de una conciencia desventurada que rompe el umbral de la tragedia y se pierde y anula de sí misma. Trevor Reznick ha cumplido un año sin dormir producto de un accidente que no escapa de su memoria. Y la realidad no es lo que parece. Trevor resulta acosado por sus propios fantasmas y no logra discenir entre la realidad y la fantasía. Sus fantasmas son materia, trazo legible, sedimento trágico de una conciencia que ha perdido su eje de la historia, su propia historia.

Es una proeza narrativa hacer un filme tan descarnado y veraz sobre la esquizofrenia, y Christian Bale, a quien pronto veremos en Batman, pero de quien conocemos su trabajo en El Gran Truco, Batman inicia, El nuevo Mundo o, Rescue Dawn, se luce en un rol completamente atípico. Para interpretar el rol de Trevor, Bale adelgazó casi 30 kilos llegando a pesar poco más de 40 en una situación que provocó la alerta de todo el equipo de filmación de la película. Su personaje es extremo, desde la extrovertida vida de Iván (su "otro de sí") hasta la delgadez paralizante de Trevor. Los colores sepia de la película contribuyen a crear la idea de una historia fuera de tiempo, pero logra comprender asimismo, todos los tiempos.

La Noche Americana - Francois Truffaut, 1973

2008-06-09T15:27:00.001-04:00

La noche americana es una película obligada para todo cinéfilo o cineasta. Realizada en 1973 por Francois Truffaut, cada plano del filme emana una pasión madura y sincera sobre el mundo del cine y la gente dentro del mundo del cine. Es un homenaje al cine y Truffaut se luce de manera excepcional al mostrar todos los detalles y contratiempos que surgen a la hora de realizar una película.

Francois Truffaut, autor de dos de los más importantes libros de cine: El cine según Hitchcock y Las películas de mi vida, fue uno de los creadores de la Nouvelle vague y emblemático crítico de cine en la revista Cahiers du cinema, junto a Godard y Chabrol. Este movimiento mostró que el cine podía salir de los estudios y filmarse "cámara al hombro".
El creador de Los 400 golpes o Jules et Jim, muestra en La noche americana la problemática diaria de un equipo de trabajo para mostrar un retrato mágico sobre el proceso del cine. De este modo el simple argumento del devenir diario de un rodaje se convierte en un desfile de situaciones y personajes que ofrecen al espectador una idea mágica del proceso creativo.

La filmación de la pelíula Les presento a Pamela permite a Truffaut la mirada interior de una película sobre una película. Y en esta mirada Truffaut rescata el entorno y los personajes provocando con ello la total complicidad del espectador. Detalles que pueden ser mucho más duros y crueles, Truffaut los mira bajo un prisma de calidez lo que da aún más emoción a esta radigrafía del cine.

Protagonizada por una espléndida Jacquelinne Bisset, La noche americana recibió el Oscar a la mejor película extranjera en 1974. Pero este filme no tiene fronteras, ni nacionalidades pues pertenece a todo el mundo del cine.

Metrópolis - Fritz Lang, 1926

2008-06-07T09:37:00.000-04:00

Ambientada en el año 2026, Metrópolis muestra una sociedad dividida en dos clases: los obreros, condenados a trabajos forzados y a vivir en condiciones infrahumanas, y los ricos, dueños de los medios de producción y que viven rodeados de lujos. En esta confrontación, el hijo del dueño de la ciudad simpatiza con los obreros y se enamora de su máximo emblema, María, una joven que propaga un mensaje de paz y amor para superar los conflictos. Su padre no puede permitirlo y encarga la fabricación de un robot idéntico a la joven para que la sustituya y propague un mensaje de violencia.

Metrópolis, es una película que revela el profundo conocimiento de Lang en el campo de la arquitectura y su maestría para la construcción de decorados con auténtica entidad dramática. Por el filme desfilan elementos vinculados al futurismo de Umberto Boccioni (el constante movimiento de las máquinas al comienzo del film e, incluso, el diseño del robot andrógino); a la arquitectura de la Bauhaus en todo el diseño de la Metrópolis, que parece escenificar visualmente la fusión entre el arte y la ingeniería preconizada por Walter Gropius; e, incluso, el Art Déco en una gran parte de la decoración de interiores. Pero el logro de Lang está en dar a su historia una personalidad y una consistencia independientes.

La persecución de María en las grutas, con la impresionante utilización de la luz de la linterna como foco de angustia, o el exterior de la casa de Rotwang, su creador, constituyen la despedida del expresionismo alemán y también la despedida del cine mudo. Lang construye un filme laberíntico y complejo, y sorprende su capacidad para darle ritmo mediante un prodigioso trabajo de montaje y control en la duración de los planos. Se trata de una de las grandes obras en la historia del cine.

Metrópolis - Fritz Lang, 1926

2008-06-06T11:45:00.001-04:00

Metrópolis constituye uno de los casos más complejos y apasionantes de la Historia del Cine. Pocas películas han sido tan masacradas, mutiladas e intervenidas como ésta y, a la par, de pocas se puede tener una visión tan completa de lo que el film podría haber alcanzado de no caer en malas manos. La Metrópolis original sólo pudo verse en Alemania entre enero y mayo de 1927. Para su estreno en Estados Unidos reducía sus 170 minutos originales a 120, y versiones posteriores amputaron elementos y transformaron diversos componentes argumentales sin la más mínima consideración a la estructura de la obra original.

Varias adaptaciones han reducido la duración del film a 94 minutos. La versión más completa que se conoce es la reconstruida por el historiador Enno Patalas que, con sus 147 minutos de duración, sí puede dar una idea más cercana a lo que aquel grupo de privilegiados espectadores pudieron disfrutar en Berlín el 10 de enero de 1927.

Cuando el destino nos alcance, Soylent Green, 1973

2008-06-05T00:50:00.001-04:00

Realizada en 1973 por Richard Fleischer, esta película es una de las grandes obras de anticipación de la historia del cine y cada vez cobra mayor vigencia dados los resultados reales a que está llevando al mundo el capitalismo salvaje y depredador.
Ambientada en el año 2022 en la ciudad de Nueva York, el filme muestra a una minoría que se alimenta y vive comodamente, y a una mayoría que malvive hacinada en calles y edificios donde el agua se transporta en garrafas y su único alimento son unas pastillas químicas llamadas Soylent Red y Soylent Yellow.
La película toma un horizonte de 50 años para describir un mundo donde los alimentos reales están a un precio exhorbítate y la única alternativa es consumir los pellet de la empresa Soylent.

Basada en la novela de ciencia ficción de Harry Harrison ¡Hagan sitio! ¡Hagan sitio! (Make Room! Make Room!, 1966), la película muestra un mundo hipercontaminado y agotado de recursos donde la población no tiene acceso a ningún otro tipo de alimentación o cultura y sólo un puñado de privilegiados puede adquirir alguna verdura o un trozo de carne.
La trama gira en torno a un policía (Charlton Heston) y su anciano amigo (Edgard G. Robinson), quien le habla del mundo cuando éste aún era un lugar vivible. El policía sigue el caso del asesinato de uno de los accionistas de Soylent, previo al lanzamiento del último producto de la empresa, el Soylent Green, que aseguran producir con el plancton de los océanos.
La trama adquiere aspectos macabros cuando el policía –con la asertiva ayuda de su amigo- va descubriendo la verdadera materia prima del nuevo producto lanzado para evitar la hambruna global. Uno de los momentos más emotivos del filme es cuando el policía, para una cena especial, regala a su amigo una zanahoria.
Richard Fleischer construye una película impecable que muestra a Charlton Heston en el mejor punto de su carrera. Las imágenes de su personaje esquivando a las decenas de personas que duermen en la escalera del edificio; la gente viviendo en los autos o tirada en las calles; las iglesias abarrotadas; o su cara de asombro cuando prueba un jabón o huele una fruta son realmente notables.
La atmósfera opresiva y el ambiente apocalíptico de la historia es otro de los méritos de la película, más aún cuando el policía descubre la verdad sobre Soylent (palabra compuesta tomada de Soja y Lentejas) y en que supuestamente basan la materia prima de los productos.

El anciano decide su propia eutanasia en un sitio llamado El Hogar, un lugar que recrea como era el mundo en su juventud, y que, por cierto, lo hace morir en la paz de sus mejores recuerdos. Este es un auténtico clásico del cine, y como va caminando la historia, se acerca de lleno a su tema central.

Alain Resnais, El año pasado en Marienbad

2008-06-03T21:26:00.001-04:00

EL AÑO PASADO EN MARIENBAD
Entrevista con Alain Robbe-Grillet

-La historia de Marienbad es muy interesante. Por empezar, cuando la terminamos, el productor decidió que no iba a estrenarse nunca, que uno no debía burlarse de la gente hasta ese punto. Durante los seis meses que el film permaneció inédito realmente pensamos que no se iba a estrenar jamás, así que comenzamos a hacer exhibiciones privadas: la primera para Antonioni, la segunda para Sartre (que prometió que nos iba a ayudar y no hizo nada) y la tercera para André Breton. Después se estrenó porque se dio con éxito en Venecia. Lo paradójico es que a Venecia no había ido por razones artísticas sino porque los italianos querían hacer quedar mal a los franceses a causa de la guerra de Argelia.
Después de Venecia, el film que se había presentado como un film maldito se transformó en un objeto de moda, que es exactamente lo contrario: como era moda, había que verlo.
-¿La idea fue suya o de Resnais?
-De ninguno de los dos. El productor tenía un contrato con Resnais, Hiroshima mon amour había sido un gran éxito y él quería hacer ahora una película sobre la guerra de Argelia. Pero dudaba entre dos guionistas: Simone de Beauvoir y Francoise Sagan; Resnais quería trabajar con una mujer. Entonces el productor me preguntó si yo no quería escribir una sinopsis para un film de Resnais. Dije que sí, escribí tres argumentos en una noche y se los llevé a Resnais, a quien no conocía. Leyó los tres y dijo: "Puedo filmarlos todos", pero eligió el que mejor convenía a Delphine Seyrig, que era la mujer de su vida en ese entonces. Y aceptó que yo escribiera directamente la película. No sólo un argumento, sino directamente el guión técnico, plano por plano, con los movimientos de cámara y todo.
-Hay quienes han visto en el film una influencia no declarada de La invención de Morel, de Bioy Casares.
-Es curioso: esa opinión fue formulada por primera vez por Jacques Rivette, que después hizo Céline et Julie vont en bateau (1974), un film fuertemente influenciado por La invención de Morel. Es cierto que yo la había leído, y también que fui uno de los primeros que habló de ella en Francia, en un artículo para Critique, antes de Marienbad. La conocía, pero la releí después y no vi ninguna relación. Sigo sin verla. Lo que me gustó de la novela era un tipo de comportamiento de los personajes que ya estaba en obras anteriores, y sí es muy curioso que en el momento en que el personaje de la primera historia reaparece por primera vez, Bioy Casares hable de "gente que baila, que pasea y que se baña en la pileta, como veraneantes instalados de hace tiempo en Los Teques o en Marienbad".
-El tono particular, monocorde, con que se dicen los textos, ¿cómo surgió?
-Antes del rodaje Resnais grabó todos los textos y los diálogos de todos los personajes con mi propia voz, como ya lo había hecho en Hiroshima mon amour con la voz de Marguerite Duras. Es por eso que todos los amigos de Marguerite Duras que no conocían a la actriz Emmanuelle Riva decían que esa era la voz de Marguerite. Porque él dirigía haciendo escuchar la voz de Marguerite. Para Marienbad hizo lo mismo pero sólo con los hombres, es decir, Giorgio Albertazzi y Sacha Pitoeff. Ellos reproducen exactamente mi entonación. Seyrig no tuvo derecho a mi voz. Resnais se interesó por su personaje y en realidad fue en gran parte creado por él. En mi versión la mujer era una especie de estatua más carnal y más opaca.
Resnais seguía penando en un film sobre la memoria, lo que es absurdo, porque el narrador jamás encuentra a la mujer. ¿Por qué se dice "Yo te encontré el año pasado en Marienbad"? No hubo año pasado, no hubo Marienbad. Ella dice que nunca estuvo en Marienbad y él replica que eso no es lo importante. El espectador debería sentirlo, porque al comienzo una cámara, que es un poco una subjetiva de los ojos de alguien, vaga por el hotel y se detiene de repente en una joven. El hombre entonces inventa una historia completamente clásica: un hombre conoce a una mujer pero se desencuentran. Eso es todo.
Para el rodaje yo había imaginado diferentes posibilidades, inclusive utilizar la verdadera Marienbad. Pero Resnais buscó y encontró ese hermosísimo castillo del siglo dieciocho en Baviera. Es uno de cinco castillos que construyó un arquitecto francés. Los exteriores se hicieron en un castillo y los interiores se hicieron combinando otros. Una vez que el guión estuvo escrito, fue modificado en función de las locaciones. Resnais las verificó y me dijo que, por ejemplo, una de las frases iniciales era demasiado larga y uniforme para los pasillos que había disponibles para hacer su travelling. "Eso no es problema, la cambio", le dije. "Decime cómo es el travelling y yo te escribo una frase con curvas". "No", respondió. "Quiero que la frase quede como está". Así que envió al director de arte al castillo e hizo reconstruir en estudios un pasillo similar que tuviera el largo de la frase. Luego vino el fotógrafo, Sacha Vierny, vio el decorado y dijo que faltaba el techo. "Si no tiene techo, no funcionará". Así que hicieron un techo, pero cuando empezó a filmar resultó que el techo le molestaba así que lo hizo sacar.
-Su guión fue escrupulosamente respetado.
-Sí, claro. Podría decir que lo psicologizó un poco, pero en general respetó todo de un modo notable. Es un film muy raro, porque verdaderamente tiene dos autores. Resnais quería hacer un film sobre la memoria y yo quería hacer un film sobre la persuasión. La idea de la memoria es una cuestión totalmente imaginaria: todo sucede en el presente, ahora, aquí. Y en cuanto a la persuasión, a veces me preguntan si Marienbad es acerca de un hombre que quiere persuadir a una mujer para que lo siga. Yo respondo que no, que es acerca de un escritor que quiere persuadir a un director para hacer un film de vanguardia.

Entrevista por Fernando Martín Peña.

Alphaville, Jean Luc Godard 1965

2008-05-23T19:11:00.001-04:00

Esta película realizada en 1965 es un clásico del cine fantástico por el argumento, la atmósfera y el estilo envolvente que le imprime uno de los más brillantes creadores de la Nouvelle Vague, Jean-Luc Godard.
Pionera de Blade Runner por su combinación de cine negro y ciencia ficción, Alphaville narra la historia del agente Lemmy Caution en un mundo donde impera el cálculo lógico y las acciones y reacciones son una mera respuesta matemática; y donde el arte, la poesía, la emoción y los sentimientos han sido aplacados como si se tratara de una peste destructora.
Un Godard brillante. Un lujo cinematográfico y unas actuaciones perfectas de Anna Karina y Eddie Constantine.

Copiando a Beethoven

2008-05-23T16:59:00.001-04:00

Ed Harris y Diane Kruger, maestro y copista
en la emotiva pelicula de Agnieszka Holland

La actuación de Ed Harris como el afamado compositor alemán es una de las grandes sorpresas de esta película de Agnieszka Holland. Practicamente irreconocible, Ed Harris construye uno de sus roles más memorables y la película, si bien toca una anécdota plenamente ficticia (la ayuda e iluminación de una "copista" para la elaboración de la célebre Novena Sinfonía) tiene momentos inolvidables como la secuencia del estreno de la magna obra ocurrida en 1824.

Aunque el filme se toma algunas licencias históricas con objetivos de atracción dramática, como por ejemplo introducir a una mujer como copista, cuando en realidad ese trabajo lo hicieron dos hombres y ninguno de ellos contribuyó ni alteró la partitura original, Holland construye una de las mejores obras sobre uno de los grandes de la música.

Parte de la película se centra en la insistencia de Beethoven en dirigir su Novena Sinfonía en el estreno y se muestra a Beethoven dirigiéndola. Aunque esto es controvertido debido a su sordera, parece que Beethoven estuvo presente en el podio del director, pero no dirigiendo personalmente. Varios detalles del estreno están representados tal y como ocurrieron en la realidad, como el hecho de que le giraron hacia la audiencia para que viera el aplauso. Pero la última aparición pública de Beethoven como ejecutante fue en 1811 (Concierto para piano número 5 "Emperador").

Diva, una película barroca con una gran banda sonora

2008-05-22T17:30:00.002-04:00

Diva marcó el debut en el cine del realizador francés Jean Jacques Beineix en 1981 y se convirtió en una película de culto cuya fama fue creciendo a medida que recibía premios en festivales e iba siendo aceptada por la crítica. Visualmente tiene momentos memorables. Y la envolvente selección musical aporta los elementos que le dan una magnífica y deslumbrante belleza.

La trama gira en torno a la confusión que se produce cuando por error cambian de manos dos grabaciones de audio. La grabación pirata, clandestina e inocente que hace un joven cartero de un concierto de ópera (por una cantante que se niega a dejar registrada su voz y sólo gusta de los recitales en vivo); y la grabación que envuelve a un poderoso político en los avatares de la mafia. La trama recuerda el caso Watergate y también La Conversación de Coppola, tomando elementos de gran suspenso y persecuciones en el Metro parisino al estilo de Contacto en Francia.

Beineix consigue momntos de gran belleza visual y un recorrido por Paris junto a la música de Eric Satie en la cual el joven cartero declara su amor a la cantante lírica interpretada por Wilhelmenia Wiggins Fernandez.

Las búsquedas paralelas de ambas cintas de audio permiten desplegar certeros artilugios narrativos con una persecución que no da tregua, pues a la policial se agrega la de una empresa discográfica asiática que busca tener la grabación de la cantante.

Esta película dio inicio a una renovación generacional en el cine francés de los años 80, donde sus principales cultores junto a Beinex fueron Luc Besson y Leos Carax. Además, Beinex dio inicio al cine negro con luces de neón, que después seguiría Ridley Scott con Blade Runner.
Diva es una película cautivadora, una de las obras mágicas de principios de los 80 que se recuerdan con placer por su barroquismo y delicioso cuidado estético.

El "Juego de Poder" de Charlie Wilson

2008-05-18T23:12:00.001-04:00

Mike Nichols (Lobo, El Graduado, Secretaria Ejecutiva, Closer) regresa al mundillo de la política para rescatar la figura de Charles Wilson, un congresista estadounidense del partido demócrata, más famoso por su escandalosa y desenfrenada vida que por sus iniciativas públicas. Sin embargo, su personalidad de buen vividor oculta una astuta mente política, un poderoso sentido del patriotismo y una abnegada defensa de los más débiles. Wilson tuvo un papel destacado en el apoyo encubierto de Estados Unidos a los muyahidines de Afganistán, cuando el país fue invadido en 1980 por tropas de la URSS, en plena Guerra Fría.

El film presenta a Wilson (Tom Hanks) como un aficionado al alcohol, las drogas y las amantes. Una de ellas, la millonaria Joanne Herring (Julia Roberts), supuestamente una fervorosa cristiana, a pesar de que no vive la religión de forma coherente ni mucho menos, convence a Wilson de la necesidad de ayudar a los muyahidines, para evitarles ser pisoteados por la URSS. En su tarea de conseguir el financiamiento para el material que requieren los afganos, Wilson encontrará un valioso aliado, Gust Avrakotos (Philip Seymour Hoffman), un poco ortodoxo agente de la CIA resentido con sus superiores.

Nichols usa un tono sarcástico para presentar esta historia que terminó dando una vuelta de campana a la historia del mundo. Estos hechos reales son contados por el punzante director de Closer como si fuera una comedia. Y no es para menos. La ayuda subterránea que se entregó a Afganistán (entiéndase: a Osama Bin Laden) ayudó a socavar las bases económicas y militares de la Unión Soviética que al cabo de casi una década culminaron con la caída del Muro de Berlín y el declive de todo el bloque soviético. Y cuando el mundo quedó en manos de "los buenos" y Charlie Wilson quiso ir ahí a construir escuelas, los genios de la CIA y el Pentágono le respondieron "¿a quien le interesan las escuelas?"
Con su agudeza acostumbrada, Nichols abre una página importante en los resortes que mueven la política internacional del país del norte, en un relato ácido, pleno de ironía, que no oculta la mirada al mundo actual y donde los ejes del poder han experimentado insólitos vuelcos.

Vértigo, la obra maestra de Hitchcock cumple medio siglo

2008-05-15T14:56:00.001-04:00

La muerte y el deseo como nunca antes fueron filmados han cumplido medio siglo. Vértigo, considerada una de las obras maestras del cine está de aniversario. Su estreno mundial tuvo lugar en 1958 en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y consiguió dos nominaciones en los Oscar, gracias a una temática que combina el suspenso con una tortuosa historia de amor.
Si bien en un principio no tuvo una gran respuesta del público, su despegue definitivo se produjo en los años 60 con los cineastas de la Nouvelle Vague, y con el magnífico libro que Truffaut dedidó al maestro y genio del suspenso.
Vértigo es una película de suspenso, pero también una compleja historia de amor donde la culpa y la muerte cobran sentido. Es un muestrario de los peores monstruos que el amor es capaz de crear y, sobretodo, una iconografía del psicoanálisis.
Protagonizada por James Stewart y Kim Novak, Vértigo es un paseo por el amor y la muerte. Desde su singular código de colores -verde para el recuerdo como fuente originaria del amor, rojo para la pasión y el deseo-, hasta su simbología -la torre Coit de San Francisco como símbolo fálico por excelencia, la secuencia de los sueños, la acrofobia que sufre el protagonista, Vértigo es un alucinante paseo por el amor y la muerte y, de nuevo, el amor y la muerte. O bien una canción de amor a una mujer doblemente imposible: por muerta y por ficticia.
Vértigo es la expresión máxima del cine como creación de una realidad total, envolvente y fascinante; llena de significados. Valga como ejemplo la primera vez que el detective John 'Scottie' Ferguson -Stewart- contempla a la misteriosa Madeleine -que luego será Judy y que fue representado por Kim Novak- lo hace en un restaurante con paredes rojas que en Vista Visión, el estridente sistema en el que fuera filmada la película, configura una tramoya alucinante en la que ella se pasea, éterea y vestida de verde: es que todo tiene una doble lectura en la película más personal, posiblemente, de Hitchcock.

El 'mago del suspense', tras comprar los derechos de la novela francesa de Boileau y Narcejac, se empeñó obsesivamente en adaptarla a su propio imaginario. Tanto que llegó a controlar hasta la posición en la que se disponía el objeto más nímio en cada una de las escenas. Posiblemente por eso, la gran secuencia de la historia del cine, junto con el tremendo plano secuencia de Sed de Mal, o a la grúa que se alza sobre muertos y heridos en la estación de Atlanta de Lo Que el Viento se Llevó, sea ese larguísimo beso sobre un fondo verde que se dan James Stewart y Kim Novak tras haber acabado de transformar el uno a la otra en la reencarnación de aquella mujer que tanto amó y después perdió.
Ese travelling circular resume la maravilla que es Vértigo: el morbo necrofílico del detective que besa a su amada, muerta y reencarnada en una dependienta, a la que ha arreglado como si fuera aquella dama de la alta sociedad de San Francisco que se suicidara a mitad de metraje.
Con la notable música de Bernard Herrman y los efectos de Saul Bass, la muerte y el deseo como nunca antes fueron filmados, cumplen cincuenta años. Y darán para 50 ó 500 más. Disfrútenlo:

"Expiación" y las complejidades de la conciencia

2008-05-03T23:33:00.000-04:00

El tema de la culpa es el que ronda en esta segunda película de Joe Wright (Orgullo y Prejuicio), basada en la novela de Ian McEwan publicada el año 2001 y convertida en un fenómeno editorial. Obra difícil y compleja, de densidad psicológica y mental pues aborda un tema de la conciencia y ofrece numerosas opciones de lectura, Expiación no oculta su semejanza con Otra vuelta de tuerca, de Henry James, y el filme tiene el gran mérito de captar la esencia de la obra literaria, desdeñando sabiamente las profundidades narrativas que escapan a su eje central.

Es en ese tema de la culpa de la mirada subjetiva donde centra con acierto Joe Wright el trasfondo de la obra de McEwan (1948), sin duda el más importante novelista inglés de los últimos años. Como siempre en la obra de este autor, hay un minuto, un incidente crucial que cambiará para siempre la vida de varios personajes. Esta vez es la imaginación de una adolescente de 13 años, que puja por abrirse paso como escritora, la que desencadena una calumnia criminal. A partir de ese momento de quiebre, nada será igual.

La acción se inicia un día de 1935, en el que acontecen una serie de sucesos donde se pone a prueba la relatividad de lo verdadero. La mirada de la adolescente y la del espectador se confrontan con una ferviente sutileza expresiva. Tras el intenso relato de este día, la acción pasa a acciones en la segunda Guerra Mundial, para culminar en los tiempos actuales.

Sin hacer alardes (quizá sólo el largo plano secuencia en la playa, con la recreación al desembarco de Dunkerke, y una duración de 5 minutos), Wright consigue un filme potente y sutil en el tratamiento de un tema donde alguien se erige como juez y verdugo. Vanessa Redgrave (impecable!) interpreta a la escritora en la última parte del relato donde descorre el telón final y plantea una reflexión sobre los juicios: la del hecho real, concreto, que podemos practicar a diario; y la del escritor que se piensa a sí mismo como un dios menor e inseguro frente a sus indefensos personajes. Este epílogo rearticula toda la historia y la emplaza en un metarrelato donde más allá de los hechos interesan las consecuencias y reflexiones en torno a ellos.

El guión de Expiación fue realizado por Christopher Hampton, quien hace veinte años abordó una tarea similar con las Relaciones Peligrosas de Choderlos de Laclos que llevó a la pantalla Stephen Frears. James McAvoy fue el médico que ayudaba a Idi Amin en El último rey de Escocia, y Keyra Knightley y Saoirse Ronan completan esta trilogía sobre la culpa y su necesaria expiación.

Stanley Kubrick a 40 años de 2001

2008-04-30T00:32:00.001-04:00

Hace 40 años, Stanley Kubrick irrumpió con esta obra maestra del cine que es 2001 Odisea del Espacio, película que no sólo se mantiene como uno de los puntos de referencia del cine de anticipación, sino que se adelantó en varios años a la exploración del espacio, despertando la imaginación y haciendo un anuncio realista del futuro. Cuando el filme se estrenó el hombre aún no llegaba a la Luna y trabajar y vivir en el espacio a tiempo completo era cosa de ciencia ficción.

Kubrick creó una obra de gran impacto visual y acústico que puso varas muy altas al cine de ciencia ficción. Entre sus memorables proezas está la mayor elipsis narrativa, cuando el primate emplea un hueso como arma de destrucción y lo lanza al espacio. Al caer, lo hace convertido en una formidable nave espacial que cruza el firmamento al ritmo del Danubio Azul de Johann Strauss. En segundos, Kubrick dio un salto en el tiempo de más de diez mil años.

Una de las visiones notables del filme es la enorme estación espacial que gira en órbita sobre la Tierra. Si bien su apariencia de rueda doble unida por un eje central contrasta con las actuales estaciones provistas de paneles solares en forma de mariposa, ya incorporaba la idea de estaciones tripuladas e internacionales.

La paredes provistas con monitores de pantalla plana, era algo que ni siquiera pensaba la industria de televisores en 1968, cuando este medio recién estaba abriéndose paso a nivel mundial, y en un incipiente blanco y negro.

En una de las escenas el protagonista hace ejercicio físico, trotando en la inmensidad del espacio. Hoy todos los astronautas practican deporte, y no falta aquel que ha corrido la maratón, a mas de 500 kilómetros de la tierra.

David Cronenberg: "Promesas del Este"

2008-04-19T00:55:00.001-04:00

Una película sobre la mafia rusa en un Londres asfixiante, irreconocible; un par de secuencias de crueldad pocas veces vista y magistralmente filmadas, inolvidables; una historia de matones, traiciones y venganzas. Pero, al igual que en su tocayo David Lynch, en toda obra de David Cronenberg, hay mucho más que eso.

Promesas del Este (Eastern Promises) es una película que se inscribe en la huella de la sangre, el tema medular de toda la filmografía de Cronenberg: la sangre, el adn, la transmisión, el contagio. Sin duda en el inconciente colectivo de los canadienses está el peligro de contaminarse, contagiarse con la ideología yanqui, y de ello hay que huir. En todas las obras de Cronenberg hay un contagio: La mosca es el resultado del adn humano fusionado con el de una drosophilla meganogaster; la transmisión de unos fármacos desde la madre al feto da origen a los Scanners; así como el contagio subliminal de tanta tontera televisiva a Videodrome.

El contagio, la fusión con “lo otro”, la mutación, el cruce, la intersección, la patología sicológica transmitida en y por la sangre constituye el entramado conceptual de uno de los grandes del cine moderno. Con Cronenberg hay que hilar muy fino pues su cine, rico en estética y la siempre delicada banda sonora de Howard Shore, es una propuesta a descifrar el enigma que encierran la metamorfosis del ser, las malformaciones de lo humano; las heridas, cicatrices o tatuajes que dan la seña, el trazado múltiple de la materia humana como historia.

Promesas del Este nos muestra uno de estos cruces entre el mundo real-legal-formal-establecido, y ese otro mundo de los real-turbio-ilegal-clandestino.

Una joven rusa muere antes de dar a luz a su hijo. La enfermera del parto, se queda con su diario de vida, y a través de él comienza a seguir el rastro de la joven con la ilusión de hallar al padre de la guagua recién nacida. Esta búsqueda la lleva a descubrir no sólo la identidad del padre verdadero, sino también toda una trama de la peligrosa mafia rusa en Londres. Londres, más irreconocible que nunca, asfixiante, turbia, enrarecida, es el escenario donde se muestran las modernas miserias, la actuales lacras de la depredación donde una organización criminal controla la vida y muerte de inocentes. Vida y muerte. Así comienza el filme: un asesinato y un nacimiento.

Siguiendo la linea de su anterior obra, Una historia violenta, también con Viggo Mortensen en el rol protagónico, Promesas del Este es una mirada sobre el alma humana. Mortensen que interpreta aquí a Nikolai, el chofer de la cofradía, es el filtro, el papel secante, la linea divisoria. “Necesito saber quien eres”, pregunta la enfermera (Naomi Watts) a Nikolai “Sólo soy el chofer. Yo manejo, y doblo a la derecha o a la izquierda”. Singular metáfora de un thriller apasionante, sangre y degollados al estilo único de Cronenberg.

ANTES QUE EL DIABLO SEPA QUE ESTÁS MUERTO

2008-04-15T23:45:00.001-04:00

Parafraseando un viejo proverbio irlandés (Quédate en el cielo media hora, antes que el diablo sepa que estás muerto), esta es una película que toca la fibra íntima de la sociedad estadounidense actual. Y tenía que ser Sidney Lumet, el octogenario maestro, quien pusiera las cosas en su sitio y narrara descarnada y crudamente la realidad económica, social y moral que hoy vive ese país.

A los 84 años el realizador de Doce hombres en Pugna (1957), Sérpico, Poder que mata, Tarde de Perros, Veredicto y otras tantas obras de notable perfil y dinamismo, se manda una clase de colosal investidura al mostrar el derrumbe del paraíso casi en los mismos términos bíblicos de Caín y Abel, con la envidia, el odio, la incomunicación y la traición como ejes articuladores de una trama vibrante y desgarradora.

Andy (Philip Seymour Hoffman) es un ejecutivo de una inmobiliaria que está agobiado por las deudas, sus adicciones y sus pecados. Su hermano menor, Hank (Ethan Hawke) tiene una situación aún más precaria que ni siquiera le alcanza para la pensión alimenticia de su esposa e hija. Queda muy clara la humillación que le propina su pequeña hija cuando no puede pagar un paseo de estudios. Si la precaria situación financiera de Hank lo comprime en un entorno de inseguridades y miedos al cual busca una salida; la situación de su hermano es aún más patética aunque en apariencias es lo opuesto: seguro ante sí y los otros, confiado, extrovertido, apabullante, porque Andy lleva la miseria por dentro: se ha hecho dependiente de la droga de alto costo, gusta del alto estándar y no tiene miramientos con el prójimo.

A Lumet le bastan muy pocos planos para dar cuenta de los recovecos de la conciencia de estos personajes, del bien y el mal que los acecha, de la culpa, la traición y el castigo que los oprime. Ambos están atrapados y cuando el hermano mayor propone una solución para saldar los males, Hank, si bien tarda en decidirse, se ve obligado a aceptar la idea, que no es ni más ni menos que asaltar la joyería de la familia. El "plan", perfecto como todos los planes en papel, falla por un pequeño error de cálculo y convierte una idea salvadora en la mayor tragedia americana.

Sidney Lumet, experto en asaltos y vericuetos jurídicos, crea una narración absorbente y precisa que nos muestra la historia de este asalto con todos los elementos y miradas. Fragmenta el relato para mostrarlo en diferentes perspectivas haciendo al espectador partícipe de la pugna interna entre el objeto y el sujeto de la acción. Con estas vueltas hacia atrás y hacia delante devela el vacío de vidas aglutinadas en sentimientos erráticos y contradictorios que perfilan el retrato más auténtico de la hasta ayer sociedad de la opulencia. Son seres humanos de carne y hueso los que habitan este infierno de envidias, pasiones y miserias.

El supuesto “plan perfecto”, donde no había espacio para el error o la pérdida, concluye en un fracaso estruendoso que lleva al infierno y no queda piedra sobre piedra. En sus 50 años de vida de cineasta, Sidney Lumet puede ser quizá el último ejemplo viviente de haberse codeado con la primera fila de Hollywood: Henry Fonda, Paul Newman, Al Pacino, Sally Field. Esta vez, junto a Hoffman y Hawk, tiene a Albert Finney (El vestidor) y a Marisa Tomei en un rol que agiganta esta tragedia moderna: es la esposa del hermano mayor, y la amante del hermano menor.

Con este nuevo y gran retrato sobre los recovecos de la conciencia y la personalidad humana, Sidney Lumet se consolida entre los grandes maestros del cine. Antes que el diablo sepa que estás muerto, será, sin duda, una de las grandes obras del año.

"Huracán", la odisea libertaria de Norman Jewison

2008-04-14T12:20:00.001-04:00

Norman Jewison dirige esta conmovedora película basada en los hechos reales de un hombre al que le privaron tres veces de su libertad. Jewison, el mismo de Jesucristo Superstar y El violinista en el tejado, nos cuenta la vida de Rubin Huracán Carter, una historia dramática y desconocida como tantas.

Rubin Carter, a los diez años, se defiende con una navaja de un pedófilo abominable que los amenaza a él y a sus amigos constantemente, hasta la locura. Por este hecho plenamente justificable es condenado a 21 años en prisión. Logra escaparse al octavo año y se enrola en el ejército.

Al cabo de unos años, Rubin vuelve al pueblo, conoce a una chica y se casa. Pero un juez que lo tiene en la mira por el navajazo al pedófilo (que fue en defensa propia) lo encuentra y lo vuelve a meter en la carcel por otros tres años. Rubin sale decidido a no regresar nunca más a la cárcel. Se casa con la misma chica, se convierte en boxeador y se hace famoso.

No obstante, y cuando mejor le va en la vida, y cuando los planes de un futuro promisorio parecen cumplirse, se comete un triple crimen en un bar y, porsupuesto, culpan a Rubin. El juez le aplica cadena perpetua y no hay nada más que hacer.

Jewison, como gran artesano, dirige con gran oficio una obra que es poderosa en términos de mostrar las infinitas trasgresiones a los derechos humanos. La historia real de Rubin Carter se nos presenta en un relato que conmueve y al mismo tiempo resulta imposibe de abandonar por lo apasionante que se hace la historia. Confieso haber visto esta película en el tv-cable y no haberme desprendido de ella. Notable Jewison para mantener el suspenso y la ansiedad.

Con fragmentos de filmaciones reales -esta historia involucró, entre otros, a Bob Dylan, quien escribió uno de sus grandes temas- Huracán es una película que debe figurar en primer plano en la lucha por la vida y los derechos mínimos de toda persona. Gran paso para Jewison, que avanza en su carrera con una gran obra, con un tema potente que no deja a nadie indiferente.

Bob Dylan: "Hurricane"

Leones por Corderos

2008-04-06T02:17:00.001-04:00

Sin duda que la arremetida bélica de Bush en Irak, Afganistán e Irán dará que hablar en muchas películas. En este caso es Robert Redford quien quiere hacer la denuncia de este genocidio mostrando desde un trío de vertientes una parte de estos temas candentes: la prensa, que siempre interesa a lo políticos; el mundo académico, y el combate propiamente tal. En este último enfoque muestra a unos combatientes que van al medio oriente como carnada, como guía a la maquinaria destructiva; en el plano mediático presenta la entrevista que se hace a un senador que tiene la clave para resolver el problema de una vez por todas, y en el académico la relación de un profesor de Ciencias Políticas para incentivar a uno de sus alumnos con el germen de la denuncia ideológica.

Este trío temático permite a Redford deslizar una mirada a la sociedad de ese país con la vaciedad e incongruencia de sus planteamientos. Desde la mirada del senador dispuesto a lo que haya que hacer para obtener la victoria en esas lejanas tierras sugiriendo incluso la bomba atómica, hasta los niveles del comando bélico que urgan a ciegas en tierras desconocidas sin atinar a nada concreto, pasando por las huestes de estudiantes que ven como el país se desarma entero frente a ellos por la ausencia de verdaderos ideales que den nuevos bríos a la especie humana.

Redford es un actor comprometido con la causa de la libertad de expresión y prueba de ello es Todos los hombres del presidente, de Alan J. Pakula, un filme que se encargó de producir hasta en sus menores detalles, y donde muestra la metida de pies y manos de Nixon en el caso Watergate. Esta vez, si bien la trama mantiene un gran dinamismo en sus diálogos tanto en los del profesor con su alumno (Redford y Andrew Garfield), como el sostenido entre el senador y la periodista (Tom Cruise y Meryl Streep), no busca hacer una denuncia, sino provocar una reflexión sobre los tiempos que corren, saturados de torpeza, egoísmo, vacío e inhumanidad.

La Vida me mata

2008-04-04T00:56:00.000-04:00

La vida me mata es una historia que transita entre las ganas de vivir y las ganas de morir. O el apego y desapego a la vida, y el vértigo por la muerte. Ambos polos están marcados por una exuberante actriz, Susana, que sueña con la fama y los festivales de cine, y su camarógrafo, Gaspar, que vacila en el sin sentido de la vida aquejado por la muerte de su hermano, la proximidad de la muerte de su abuelo y la silenciosa presencia de su madre. Sólo su hermana, una prodigiosa Amparo Noguera, establece el vínculo de rigor en el mundo real, el de la cordura y los temas materiales.

En esta propuesta visual de Sebastián Silva la obsesión por la muerte va desde el drama a la comedia y al humor negro sin pausas. De este modo el contrastre entre la lúdica performance del cortometraje que se filma en set de encierros y al aire libre (únicas escenas en color de un filme descolorizado) con la tortuosa y depresiva existencia del camarógrafo, parco, grave, sin sustancia vital, imprimen la liberación final que si no es una forma de vida, será una forma de muerte.

Visitas al cementerio, a la morgue, a funerales; así como a los rituales de renuncia forzada (las inyecciones que sujetan a la vida al abuelo) y el logro de la tarea cumplida (los puzzles) para ascender al otro estado, cierran un relato que se apoya en buena parte de la mitología existente respecto a la muerte.
Bélgica Castro y Alejandro Sieveking son los abuelos que pugnan por seguir juntos más allá de la vida terrenal. La primera ya ha partido, pero las inyecciones y los puzzles pendientes mantienen aún al abuelo en el lado de lo real.

Pero es la "reencarnación" del hermano muerto y su invasión de los espacios vitales de la realidad material y de la película que se filma, lo que marcará la decantación y el quiebre entre el aquí y el más allá. Con su presencia y predominio en el eje narrativo, Gaspar podrá captar el color de la muerte y el sentido de la vida, aunque ésta sea en blanco y negro.

Mirageman, un superhéroe a medias

2008-03-20T15:15:00.001-03:00

Maco Gutierrez es un guardia de un club nocturno ninguneado por su jefe y sus colegas. Su vida tortuosa arrastra un asalto en su infancia que destruyó a su familia y dejó con un trauma a su hermano menor. Sólo el karate y las artes marciales sacan a Maco de ese letargo que le impide hallar un auténtico sentido a su existencia.

Una noche, haciendo footing en su habitual cultura física, sorprende a unos asaltantes en plena operación delictual, y con certeros golpes de pies y puños logra frustrar el atraco y salvar de una violación a una joven. Maco, que se ha disfrazado con un pasamontañas para mantenerse en el anonimato, no sabe que la persona a la que ha salvado en esa casa es una popular periodista de un canal de tv y por lo tanto dicha acción heroica tendrá sus secuelas.

La periodista se saldrá de libreto y hablará de este héroe, que en verdad tanta falta hace en las calles de Santiago, donde cada día la delincuencia hace de las suyas. Maco, sorprendido con el fenómeno mediático y con la recuperación que tiene su hermano en el psiquiátrico por la existencia de este héroe, descubre que proteger a inocentes y luchar contra el mal es su auténtica razón de vivir. Sólo que el problema existencial, ahora adquiere nuevas configuraciones y Maco no sabe sin ser Batman, el hombre araña o Supermán. Y este problema de identidad lo tuvieron también los guionistas, quienes toman con acierto muchos aspectos mitológicos del cómic pero no se deciden si hacer una película netamente en ese formato, una parodia o una mezcla entre la realidad y lo fantasioso.

La dupla Marcos Zaror-Ernesto Díaz Gutierrez tuvo un promisorio y notable debut con Kiltro, un potente relato que atraviesa tópicos centrales del cine como la violencia interracial, la lucha entre pandillas, el amor prohibido, la traición y el adulterio, los celos, la venganza. Mirageman es una película que entretiene y que incluso mantiene un cierto suspenso, pero carece de las ideas y los potentes planteamientos tanto visuales como narrativos de su predecesora.

SIN LUGAR PARA LOS DÉBILES

2008-03-17T04:15:00.001-03:00

Si bien está ambientada en 1980 esta película de los hermanos Coen ofrece una cruda mirada al mundo actual con la avaricia, el desprecio a la vida y los valores y el retrato a una época despiadada. La acción transcurre en la zona fronteriza entre México y Texas, en medio de grandes planicies que recuerdan los western. Aquí, los hermanos Coen recuperan el espíritu de cine negro de Simplemente sangre, su notable ópera prima realizada en 1984 y que les abrió una exitosa puerta a otros filmes como Educando a Arizona, Barton Fink o Fargo, pero aportan además ribetes de tragedia griega al mostrar un mundo en el cual no hay salida, no hay escape posible.

Sin lugar para los débiles se basa en la penúltima novela de Corman McCarthy, No Country for Old Men, que es uno de los grandes autores de la narrativa norteamericana moderna y a quien el crítico Harold Bloom no ha dudado en colocarlo a la altura de William Faulkner o Hermann Melville. También, por la actitud de McCarthy frente al acto de escribir y la sociedad, ha sido comparado con Jerome David Salinger (El cazador oculto), autor que sólo vive para escribir y se niega a dar entrevistas, ser jurado en algún concurso, contestar el teléfono o revisar Internet. Su estilo es duro, amargo, desencantado. Y los Coen han logrado traducir con gran acierto todos los silencios y asperezas de la obra. De hecho, los pocos diálogos del filme (se trata de una obra eminentemente visual) están sacados de la novela.

La acción envuelve tres historias: la de un sheriff texano a punto de jubilarse (Tommy Lee Jones) que participó en la Segunda Guerra Mundial; la de un cazador ex combatiente en Vietnam que por azar cae en una trampa de persecución, sangre y dinero (Josh Brolin); y la de un sicario asesino que no da tregua en su maquinaria criminal y, cuando vacila, ofrece la alternativa del “cara o sello” a sus víctimas.

Lewellyn Moss (Brolin) está de caza en el desierto texano cuando descubre los restos de una mortal balacera entre traficantes de droga. La docena de cadáveres al parecer se dieron muerte entre ellos porque nadie alcanzó a llevarse la droga y el pesado maletín con dos millones de dólares. Moss toma el maletín sin pensar que tras él habrá toda una maquinaria levantada para recuperarlo. Los Coen siguen de cerca esa obra maestra de Sam Peckinpah, el maestro de la violencia, que transcurre en la misma zona de El Paso y Texas, Tráinganme la cabeza de Alfredo García, con un Warren Oates que acosa y es acosado con un maletín cargado de dinero

Antón Chigur (Javier Bardem) es el hombre que va tras el botín provisto con arma neumática para sacrificar ganado. Este personaje no se detiene para lograr su objetivo. Como Terminator, derriba todo obstáculo que se le interponga. Sus miradas y desplazamientos inspiran horror. El Sheriff, que no entiende los códigos de la violencia del mundo actual, comienza también a perseguir a Moss para evitar que Antón lo encuentre primero y lo mate.

La sangre, el dinero y la violencia están en el centro de la trama. La metáfora de la codicia y el reguero de cadáveres que siembra ese amargo cargamento, se establece también como una parábola sobre el desconcierto moral que reina en los Estados Unidos de hoy.

Con una puesta en escena precisa, resuelta, contundente, gloriosa en sus grandes planos generales y en la elaboración de personajes sólidos, Sin lugar para los débiles transmite un nihilismo sutil, pleno de desencanto y fatalidad acorde a los actuales tiempos de salvajismo y desmesura.

Hitchcock: Los Pájaros

2008-02-29T14:40:00.001-03:00

Hitchcock: "Los Pájaros" en 1 minuto y 40 segundos

BERGMAN, NOCHE DE CIRCO

2008-02-23T23:13:00.000-03:00

Noche de circo (Gycklarnas Afton, 1953) es una de las películas más amargas y desencantadas de Bergman en la cual describe en un tono lúgubre y opresivo la fragilidad de las relaciones humanas en un relato de poderosa vertiente existencial influenciado por la filosofía y la literatura nórdica.

La acción parte con el cansino andar de la caravana del circo Alberti, en el frío amanecer, surcando el horizonte, camino a un pueblo donde detenerse a dar unas funciones. En uno de los primeros diálogos se narra una historia anterior, en flash-back, donde el payaso Frost descubre a su mujer desnuda en una lujuriosa convivencia con un batallón de soldados y acude a rescatarla sufriendo la humillación de todos ellos. Este golpe nos prepara para asistir al drama que veremos. La peregrinación de los carromatos, a contraluz, tiene ese toque que Bergman heredó de su maestro Vilmot Sjostrom La carreta fantasma (1921) donde a través de muy pocos planos transmite la hostilidad y la precariedad de unas vidas desesperadas; así como el sabor del desengaño y la humillación recuerdan al profesor Rath (Emil Jannings) de El Angel Azul.

A poco andar sabemos que Alberti, el dueño del circo y maestro de ceremonias, abandonó hace años a su mujer por la vida itinerante y ligera del circo junto a Anne, su amante, una bella equilibrista y domadora con quien ya se ha perdido toda la magia del encanto inicial. Ahora, en su peregrinar, el circo vuelve al lugar donde Alberti tiene a su familia y acude, por cierto, a ver a su ex esposa, no sin antes pedir ropa prestada para llegar frente a ella con una vestimenta digna y presentable. El mundo de las apariencias y la realidad versus la ficción está presente en todo el espesor de esta trama a partir de las máscaras y disfraces y las mismas vidas de estos payasos que hacen reir cuando internamente están destrozados.

La cuidadosa elaboración del encuentro entre Alberti y su esposa, así como el de Anne y Franz, el actor que quiere seducirla, en planos paralelos, da cuenta del affaire y el engaño simultaneo. Mientras Anne consolida su cita con Franz, Alberti confiesa a su esposa su hastío, su fatiga por una vida miserable y le pide que lo acepte de nuevo, como antes. Y ella, en buena posición, con estabilidad económica y social, le dice que no, que ya en su vida no hay espacio para el amor. Estos dos fracasos simultáneos: el de Alberti en su intento de abandonar a su amante y volver con su mujer, y el Anne en su escapada con Franz, al ver que éste la desprecia y solo quiere utilizarla, está conducido de manera notable por Bergman a través de primeros planos y silencios y elocuentes planos secuencias de poderosa carga visual y expresiva.

Anne y Alberti tropiezan en el camino de regreso al circo, a la función que deben dar, y se confiesan mutuamente sus faltas. Durante la función, Bergman establece un gran contrapunto al mostrar el sudor y el cansancio de Alberti versus la frescura y templanza de Franz, que ha asistido a ver el espectáculo para molestar a ambos. En éste, Franz se burla de Anne para enfurecer a Alberti y provocarlo. Alberti coge el anzuelo y se trenza en una patética pelea con Franz. Durante la lucha cuerpo a cuerpo, que el público aplaude por creer que se trata del plato fuerte de la noche, Alberti muerde otra vez el polvo de la derrota. La función termina, y la caravana comienza nuevamente su marcha en la noche, en retirada de la ciudad. Los personajes, con más carga, hastío y dolor, solo pueden ver que es apenas la mutua compasión que se tienen, ya integrada en sus vidas, la que puede permitirles seguir juntos.

Lo medular de este cruel relato de Bergman es la sobriedad con la que pinta a seres vencidos por el tiempo y la vida. Apoyado en una estética de luces y sombras con una determinante fotografía de Sven Nykvist, crea un retrato potente de personajes que quieren escapar de su propia prisión pero chocan en su intento con una realidad ácida y brutal en la cual no queda espacio para los sueños. Se trata de un Bergman amargo y notable, que nos estremece con personajes inolvidables y poderosamente reales.

CON LA MUERTE EN LOS TALONES

2008-02-23T01:32:00.000-03:00

Realizada entre Vértigo (1958) y Psicosis (1960), dos de sus obras maestras, North by Northwest (1959), es un divertimento hitchcockiano en plena Guerra Fría con el telón de fondo de las Naciones Unidas y la tensión de espías yanquis y rusos tras poderosos y potenciales secretos de Estado. Aquí, el maestro se juega sus temas favoritos del hombre equivocado y el falso culpable en un relato que no da ni un segundo de tregua.

Mientras se toma un café con unos clientes en un hotel, un publicista (Cary Grant) es confundido por un agente del contraespionaje y es primero secuestrado y luego emborrachado para, tras su huída, ser perseguido por todos los Estados Unidos en una cacería interminable. La historia tiene un ritmo vertiginoso y está llena de las claves estéticas de corte y montaje que impuso el gran maestro y que después servirían para dar vida a toda la serie de películas de James Bond o los casos de Bourne, entre miles de otras.

Y pese a estar próxima a cumplir su medio siglo, Intriga Internacional o Con la muerte en los talones, es una película que se mantiene plenamente viva merced a sus saludables toques de humor y tensión dramática, y a las metáforas sexuales en la relación que el protagonista establece con la bella del relato (Eve Marie Saint). Inolvidable es la elipsis en que la jala al borde del abismo del Rushmore para terminar acomodándola en la cama del tren mientras éste inicia el acceso a un túnel.

La confusión de identidades que sirve como motor de esta historia en la que abundan personajes peligrosos (interpretados por James Mason y Martin Landau) establece los elementos de acoso en el cual el protagonista se ve paulatinamente atrapado en una zona de ardiente pesadilla, al borde de la muerte.

Varias escenas de este filme, como la persecución con la avioneta o la escapada por el monte Rushmore constituyen parte de los grandes legados de Hitchcock y son la matriz desde la cual se ha levantado el cine de acción moderno. El guión (Ernest Lehman), la música (Bernard Herrmann), y el montaje (George Tomasini) impulsan un relato de ritmo frenético y delirante que no da tregua. Auténtico suspenso a lo Hitchcock.

SECONDS, JOHN FRANKENHEIMER, 1966

2008-02-19T16:55:00.001-03:00

Esta obra maestra de John Frankenheimer y con guión de Lewis John Carlino realizada a mediados de los años sesenta pasó casi inadvertida en su tiempo. Protagonizada por Rock Hudson, Seconds es una película que critica agudamente las ideas desproporcionadas del avance tecnológico, así como los espíritus insaciables de un individualismo extremo.

Apoyada por las temáticas existencialistas del cine europeo que hacían furor en la época, La Noche, de Antonioni o El Silencio, de Ingmar Bergman, Seconds muestra el contrapunto dicotómico entre la vida real y la vida del deseo.

A un acaudalado hombre de mediana edad, insatisfecho con la vida que lleva: trabajo, esposa, hijos, se le ofrece una segunda oportunidad de vida para alcanzar la felicidad y ser y hacer lo que siempre ha querido. La promesa de una vida nueva con otra personalidad y otro espacio y entorno social es algo que seduce al protagonista quien no vacila en aceptar esta oferta de cambio radical. El tema es una variante moderna del mito de Fausto y Mefistófeles, sólo que esta vez Mefisto es una corporación tecnológica de avanzada con la cual no hay marcha atrás.

La corporación se encarga de hacer desparecer totalmente los rastros del sujeto e inventar un accidente automovilístico para tener un cuerpo, irreconocible, que entregar a la familia.

En su nueva vida el personaje goza y realiza sus fantasías solo soñadas. Sin embargo, la ausencia de un pasado real, el nulo contacto con su historia verdadera, lo lleva a echar pie atrás y pide a la compañía una tercera oportunidad, esta vez para que lo reintegre a su vida original. Sin embargo a la compañía no le agradan los fracasos y no se conduele de las fallas humanas, por tanto la tercera oportunidad será una vuelta sin retorno a la muerte.

Película notablemente amarga sobre el devenir y la soledad del hombre moderno, Seconds es un clásico inolvidable guiado por la mano de un Frankenheimer (El candidato de Manchuria, Domingo Negro, Ronin) en su mejor momento.

Seconds - Títulos iniciales

Rock Hudson en Seconds

KEN LOACH: EL VIENTO QUE AGITA LA CEBADA

2008-02-18T20:28:00.000-03:00

Ken Loach realiza un cine político contundente. Quizá el más potente y poderoso del cine actual. Sus obras son relatos históricos casi documentales que critican las políticas opresivas de los gobiernos o sus servicios de inteligencia. En Agenda Secreta (1990), denuncia un crimen de estado que involucra al régimen de Margaret Thatcher y que, de tan verdadero, no pudo ser contradicho ni por la prensa ni el gobierno pese a la gigantesca maquinaria montada para denostarlo a través de los medios de comunicación.

En Tierra y Libertad (1995)no vacila en presentar al capitalismo y los imperialistas como los autores de la Guerra Civil Española ideada para destruir los caminos de la izquierda y sembrar el dominio de todo un pueblo a partir de la opresión y el castigo.

Con El viento que agita la cebada (The Wind that Shakes the Barley, Reino Unido, 2006), Loach se sumerge en la Irlanda de 1920 para contarnos la historia de unos campesinos que sufren la dominación y el atropello de los ingleses, considerados en ese entonces “los dueños del mundo”.
Los campesinos se unen para formar un ejército de guerrilleros voluntarios que se enfrenta a las tropas británicas de ocupación que han sido enviadas para sofocar las aspiraciones independentistas de los irlandeses a como de lugar.
Se trata de una historia que destila violencia y no ahorra en presentar la dura realidad de las circunstancias: palizas, torturas, asesinatos, vejaciones, golpes de guerrilla y de contraguerrilla, y que por eso ha sido interpretada como un elogio al IRA y sus posibles orígenes, aunque aquí entramos en el terreno de la especulación.
Porque la mirada de Ken Loach es sumamente aguda, y así como muestra a ingleses que reparten crueldad con sus vejaciones y palizas, también muestra a irlandeses que traicionan sus propias raíces por un beneficio mezquino. Loach deja en claro la crueldad que hay en ambos bandos, pero también deja en claro que unos son los ocupantes con sus aspiraciones de dominio y sumisión, y otros los resistentes, que lucharán por recuperar la dignidad de sus vidas. Cine intenso es este de Ken Loach. Vale la pena en toda su linea.

BABEL

2008-02-14T12:26:00.000-03:00

Babel es una película engañosa. Sumergida en la vorágine de la bullada globalización y a partir de un disparo de escopeta que se cala e inmiscuye en los abismos sociales bajo la omnipresente pesadilla del terrorismo, cruza varias historias en el ambicioso intento de mostrar la incomunicación en un mundo donde todo tiene que ver con todo.

Una pareja de estadounidenses que vive su propia crisis y hace turismo por el desierto de Marruecos viven su momento de descontrol y angustia cuando la mujer recibe un disparo azaroso desde lo alto de una colina. El rifle fue regalado por un japonés a un cazador marroquí quien se lo trueca a un pastor de cabras para ayudar en la guía del rebaño. Uno de sus hijos, jugando, realiza el disparo fatal.

El hecho provoca una alerta mundial y agita acciones en tres continentes que ven tras el acto la mano del "eje del mal", tema que permite al realizador González Iñárritu (Amores Perros, 21 Gramos) desplegar su contundente discurso narrativo en el cual lo que falla, justamente, es la mirada que tiene sobre el mundo y sus personajes.

De partida, el precario retrato que ofrece de la comunidad rural marroquí, con un niño que se masturba pensando en su hermana. Le sigue el de la indocumentada niñera mexicana que cuida a los hijos del matrimonio y que aprovecha su ausencia para cruzar la frontera e ir a una fiesta de casamiento donde abunda el tequila y el vicio. Porque para el director, los latinos son juerguistas, camorreros y pendencieros. En otras palabras, el subdesarrollo parece ser resultado del incesto y la vida fácil mientras los que sufren, las pobres víctimas, son los turistas estresados e insatisfechos de su vida vacía.

A modo de contrapunto aparece la realidad nipona, también cruel, con una niña sordomuda que ansía perder la virginidad; y su padre, el dueño original del rifle. Ambos viven la incomunicación tras la pérdida de la madre y esposa. Este pretendido retrato multiétnico condimentado con el tema de la sexualidad sólo da cuenta de la fascinación que siente el director por el modo de vida yanqui. De hecho, la mujer herida accidentalmente se salva y el matrimonio sale fortalecido tras el balazo mientras el resto de los personajes sufre el trágico destino del apresamiento, la muerte o la deportación.

Así y todo Iñárritu se las ingenia para presentar su producto como la quintaesencia de la complejidad del mundo que vivimos y de lo tortuoso que es el camino de las relaciones humanas. Gran parte del mérito del filme lo tiene la generosa banda sonora con temas de, entre otros, Gustavo Santaolalla y Ryuichi Sakamoto.

ADIÓS A LAS VEGAS

2008-02-12T14:43:00.001-03:00

Adiós a las Vegas es una curiosa historia de amor entre dos de los personajes más desgarradores del cine de los últimos tiempos. La música y la voz de Sting cantando “has tenido alguna vez la sensación de que el mundo te ha dejado atrás”, permite la presentación de Ben (Nicolas Cage) quien va cuesta arriba con el mundo y no sabe si su mujer lo abandonó porque se volvió alcohólico o si se volvió alcohólico porque su mujer lo abandonó. Conocemos a Ben cuando llena de botellas de whisky y vodka un carro en el supermercado, mientras Sting canta “has tenido alguna vez la sensación de estar a punto de volverte loco”.

Ben bebe sin parar y las primeras escenas dan cuenta de su degradación psíquica y física. Entre el vodka y el whisky se ha transformado en un recipiente de alcohol y todo su entorno lo rechaza. Lo despiden de su trabajo en Hollywood y decide partir rumbo a Las Vegas para poder “tomar hasta morir”. Antes de hacerlo, quema todas sus pertenencias y recuerda su pasado. Ahora no hay nada. Ahora no es nada.

En la diabólica ciudad del juego y las luces de Neón conoce a Sera (Elisabeth Shue), una prostituta que se le cruza en el camino cuando éste pasa la luz roja. Y lo que viene a continuación es la historia de amor entre ambos. Una historia de aceptación y dolor.

Cuando la pareja decide vivir juntos, Ben pone la única condición que vale en su condición de suicida: “nunca me pidas que deje de beber, ¿has entendido?”. A lo cual ella responde: "Sí, he entendido”. Más tarde viene el reclamo de él cuando se refiere al trabajo de ella: “No me disgusta, pero tampoco me es indiferente”.

Sera se resquebraja y rompe su coraza. La hemos oído decir que en su trabajo es “una gran intérprete de las fantasías del otro”. Ahora dice que junto a Ben se siente “tal cual es”.

Es en este plano de la aceptación del otro tal cual es donde se plantea el fondo de esta gran película de amor de Mike Figgis, bellamente ambientada con las canciones de Sting, Jackie Wilson y el jazz que desborda la pantalla.

EL CAMINO A GUANTÁNAMO

2008-02-11T21:57:00.001-03:00

Esta película de Michael Winterbottom y Mat Whitecross se basa en la historia real de cuatro amigos británicos que en septiembre de 2001 viajan desde Tipton, en las Midlands inglesas, para asistir a la boda de uno de ellos en Pakistán. Cuando están allí deciden cruzar a Afganistán para ofrecer ayuda humanitaria a las víctimas del ataque genocida tras los incidentes del 11-S. Esto es algo que pagarán muy caro, pues tres de ellos (el cuarto desapareció mientras huyen de las tropas estadounidenses y nunca mas se volvió a saber de él) son apresados por la Alianza del Norte quienes los entregan a los norteamericanos. Por cierto, las huestes yanquis los toman por terroristas y aliados de Al Qaeda y los conducen a la bahía de Guantánamo, en Cuba, donde permanecen más de dos años. Su viaje, planeado en torno a cuatro semanas, terminó durando dos años y medio. Prisioneros de un error burocrático los tres jóvenes, Shafiq, de 23 años; Asif y Ruhel, de 19 años, fueron trasladados a la base militar de Guantánamo donde fueron sometidos a incontables vejaciones y torturas, forzados a firmar declaraciones falsas y mantenidos indefinidamente en condiciones infrahumanas, prohibiéndoseles el contacto con el exterior y hasta con sus vecinos de celda. El 5 de marzo de 2004 fueron trasladados al Reino Unido y en Londres, tras ser interrogados, fueron puestos en libertad sin cargos.

La película está rodada en tono documental lo que le proporciona un gran verismo al relato. Aquí son los hechos mismos los que proporcionan el tono de denuncia: las palizas, las humillaciones y las torturas, que nos recuerdan tanta situación inhumana que se creía obsoleta, está aquí presente en manos de todos aquellos que aprobaron ciegamente la política exterior de Bush y su tan relamida lucha contre el terrorismo.

Este filme tiene el doble mérito de narrar una historia cruda y cruel con un ritmo que no da pausas. Riz Ahmed, Ferhard Harem y Arfan Usman son los actores aficionados que dan vida al trío protagónico. Los verdaderos protagonistas de la pesadilla también aparecen en el transcurso del filme con pequeñas apariciones a cámara.

El camino a Guantánamo (The road to Guantánamo) recibió el oso de Plata en el Festival de Berlín y es una película que merece verse para conocer por dentro la cárcel de Guantánamo y enterarse de las atrocidades que allí se cometen en nombre de la libertad y la democracia estadounidense.

EL AMOR EN LOS TIEMPOS DEL CÓLERA

2008-02-06T12:08:00.000-03:00

En 1985 el premio Nóbel de literatura, Gabriel Garcia Marquez publica su novela El amor en los tiempos del cólera, donde en síntesis narra las desventuras de Florentino Ariza y su amor por la joven Fermina Daza, a quien su padre prohíbe entablar relación con el joven, lo que desemboca en que Florentino, presa de un amor tan grande como obsesivo, la espere 51 años 9 meses y 4 días para consumar su pasion. En ese lapsus se suceden cantidad de acontecimientos que los involucran a ellos como ejes de la narración y a sus familias y relaciones sociales como marco descriptivo de unos personajes que se debaten permanentemente en laberintos pasionales de distinto tenor.

Sin llegar a ser una "novela rio", García Márquez se da el tiempo de narrar los acontecimientos con esa belleza descriptiva que le es tan propia junto a un delicado y profundo dibujo de los caracteres, siempre, en este caso, al borde de lo fantástico, lo que impregna el relato de un romanticismo de profunda factura donde el "sturm und drang" (tormenta e impulso) goetheano encuentra un eco latinoamericano de gran estatura.

No pasaron 51 años, pero si 22, para que de la mano del ingles Mike Newel (Bailando con un extraño, 4 bodas y un funeral, La sonrisa de monalisa) nos llegara la adaptación cinematográfica de esta novela. Adaptar al cine cualquier gran texto ya es una hazaña digna de destacar, y creo que en este caso la adaptación del sudafricano Ronald Harwood (El pianista ) tiene el doble mérito de poner en pantalla de muy buena forma gran parte del imaginario garcia-marquiano y construir un relato que hace justicia absoluta a la novela.

El gran director alemán Josef von Stemberg, decia que las novelas se mueven en distintos y diferentes niveles narrativos y que el cine debe tomar como base uno de estos niveles y desarrollarlo al máximo. Es la única forma de que la película no naufrague en un mar de imágenes literarias que pueden ser de gran belleza y significancia en el papel, pero que en la pantalla pierden fuerza y belleza si es el caso. Creo que el filme de Newel es un caso de acierto narrativo bajo esta premisa ya que lleva su relato con gran limpieza y economía de símbolos y signos lo que redunda en que nos concentramos en lo esencial: la pasión desbordada de florentino y su tránsito hacia la concreción del ideal amoroso junto a Fermina. Lo que fue un amor desbordado y sufriente en su juventud va mutando a una pasión madura y quieta, aunque igual de profunda, donde vemos la evolución profundamente humana de un sentimiento que no se agota y que se alimenta a si mismo con solo la visión casi permanente del ser amado o la sensación de sufrimiento al no poder observarla a diario.

Con un elenco mayoritariamente de origen latino, una fotografía que destaca los ambientes con gran acierto y una cuidadísima dirección de arte en donde sobresale un gran trabajo de maquillaje, Newel da un ejemplo de qué hacer frente a un relato de la hondura del de García Marquez cuando se lleva a la pantalla procurando que en definitiva la "inspiración esencial" de la novela este presente y sea el impulso que hace avanzar el guión.

Esencialmente el relato es la pintura de un amor desbordado y eterno, y el filme da cuenta de ello de manera absoluta. Un amor para toda la vida, que mejor le puede suceder a un ser humano.

José Luis Arredondo.

EL AÑO QUE VIVIMOS EN PELIGRO

2008-01-29T01:46:00.000-03:00

La muerte de Suharto me trae a la memoria una de las grandes películas de Peter Weir antes de su paso por Hollywood. Reconociendo que la gran obra maestra de Weir es La última ola, filmada en Australia, su país de origen, El año que vivimos en peligro (The Year of Living Dangerously, 1982, protagonizada Mel Gibson, Sigourney Weaber y Linda Hunt) es una de sus obras importantes.
En este filme Mel Gibson interpreta a Guy Hamilton, un periodista joven, ambicioso e ingenuo que ha ido a cubrir los últimos días del gobierno de Sukarno, en Jakarta, Indonesia. La acción transcurre en 1966 en los días previos al golpe militar de extrema derecha financiado por la CIA que derriba al izquierdista Sukarno, para instalar al presidente títere de Suharto. La frase que da título al filme y a la novela de C.J. Kock en que se basa, está tomada del famoso discurso pronunciado por Sukarno el 17 de agosto de 1964 (día de la independencia) y que se llamó “el año en que vivir será un peligro” pues Sukarno sabía lo que le esperaba al estar alineado contra del Imperio. Y no se equivocó: a partir de su caída el nuevo Khmer Rouge, recientemente enterrado con honores de la Casa Blanca, se inició una masacre hacia los simpatizantes comunistas que dejó más de un millón de indonesias e indonesios muertos. Eran los años de la Guerra Fría y los EE.UU. barrían con todo aquello que amenazara el idealismo capitalista.

Realizado en la misma época en que Richard Attenborough filma Gandhi y Costa Gavras Missing, este filme da cuenta de las siniestras maquinaciones de la CIA para derrocar a un régimen que no es del agrado de los EE.UU. La miseria, el hambre y la lucha política van más allá de la comprensión elemental del joven periodista que busca la gloria como corresponsal de guerra en momentos donde la prensa jugaba un rol ambigüo frente a los derechos humanos y el genocidio.
En uno de los momentos del filme, el pequeño fotógrafo que acompaña a Hamilton en sus reportajes y a quien el periodista carga sobre sus hombros para obtener mejores imágenes, Billy Kwan (interpretado por Linda Hunt en un rol que le valió el Oscar) pronuncia la frase de Lenin ¿Qué debemos hacer?.
Kwan acerca a Hamilton al mundo del teatro de sombras javanés, en el cual se presentan obras de teatro con marionetas muy bellas e iluminadas pero que deben ser ignoradas pues lo que interesa son las sombra que se proyectan en la pared. En ese momento Kwan da vuelta la parábola platónica para declarar que todo lo que se muestra como real (gobierno, prensa, mundo) y que se ve como real, es falso, porque la verdad está en las sombras.
Kwan conecta a Hamilton con la bella diplomática de la embajada británica (Sigourney Weaber) quien le provee de información confidencial que resquebrajan su mundo idílico del periodista, comenzando a descubrir la realidad que se oculta tras el aparente juego político benefactor donde las superpotencias tienen la última palabra. El joven reportero, enfrentado a la disyuntiva de ser fiel a su labor periodística y arriesgar la vida en su empeño, o tomar el primer avión, mientras se pueda, con la bella diplomática, vive su propio dilema.

Con una expresiva banda sonora de Maurice Jarre, que también recuerda la sensible banda sonora de Vangelis para Missing, esta es, quizá, una de las primeras películas que abordan la realidad macabra de los golpes de estado a los ojos de la prensa. Oliver Stone realizaría más tarde Salvador, y Michael Caine protagonizaría El americano impasible sobre la novela de Graham Greene.

Marco Antonio Moreno

"SHORTBUS" Y EL TEMOR VACÍO

2008-01-18T20:39:00.000-03:00

Si el último filme de Neil Jordan nos presenta un New York que sucumbe en el miedo y las paranoia, esta película de John Cameron Mitchell trata sobre seres aún más perdidos que enfrentan y llenan su vacío y su miedo mirando, palpando, tocando, besando y agarrando-se de algo o alguien que los haga sentir sus latidos. Porque lo menos que se puede decir de este intento de relato en torno al sexo es que es provocativo y no diré audaz porque esa es una palabra mayor.
Shortbus provoca desde las primeras tomas, cuando nos presenta a diversos personajes de la metrópolis neoyorkina rindiéndose al libre albedrío de sus ansías: una pareja practicando posturas avanzadas del Kamasutra, un personaje contorsionándose con la intención de practicar la autofelación, un voyeurista que graba y fotografía todo, una pareja que practica sexo sadomasoquista, etc, para hacer que todo culmine en una catarata de orgasmos casi como si fuera la bienvenida de año nuevo.
El problema viene cuando en verdad nos vamos dando cuenta de que gran parte de ello era mentira (orgasmo fingido, deseo frustrado, soledad total). Los personajes de Shortbus toman al sexo como si fuera el Sol y giran en torno a él como un variopinto uniforme de planetas en el cual si se está muy lejos se enfría y si se está cerca termina devorado en la maquinaria del consumo. Así de simple.
Quizá lo más logrado de esta historia sean las apariciones de Justin Bond, el propietario del club que da nombre al título del filme y donde cualquier inclinación o apetencia sexual tiene en él cabida. mientras hace referencia a una habitación que recoge la fruición lúbrica colectiva dice “esto es como en los ’60 pero con menos esperanza”, una sentencia nada venial y que responde a la intención de esta película por evocar un pasado que quiere sentir cercano pero que no tiene nada de presente pues no se puede comparar el descontento masivo frente a la guerra del Vietnam con la actitud pusilánime que han mantenido con Bush y todas sus brutalidades frente a Irak, Afganistán, Siria, Irán, etc. En este sentido le queda corta la historia a Cameron Mitchel. Como un segundo punto que resulta interesante de tratar en esta somera y rápida perspectiva, es el tema del sexo en pantalla y su evolución en los últimos años, tema que considero más atrayente pues es harto largo el camino desde El Imperio del Deseo (Oshima), El último tango en París (Bertolucci) o Emmanuelle (Jaeckin), hasta los filmes recientes como Fóllame, Intimidad, Mentiras o Irreversible. Si bien en todos podemos constatar la presencia de nuestro amigo Donatien Alphonse De Sade conocido como el Marqués, muchos olvidan que esto no se trata solo de temor, sino que también de temblor y de potenciar historias donde los personajes sean algo más que pura epidermis.

JODIE FOSTER, LA EXTRAÑA QUE HAY EN TÍ

2008-01-14T21:30:00.000-03:00

Jodie Foster en la Senda de la violencia arbitraria

Si hay algo que demuestra la última película de Neil Jordan es que New York es una ciudad que respira sangre y fuego, y que tras el 11-S no ha podido sanar de una enfermedad que la sumerge en el miedo y la decadencia. Erica Bain (Jodie Foster) es una locutora radial que camina por la ciudad captando sus sonidos y sus formas para transmitirlos en su programa y ayudar a recuperar la memoria de la ciudad para darle otro rostro. Su apacible, idealista y seguro mundo se le viene brutalmente al suelo cuando una noche de caminata con su novio, es asaltada por una pandilla que asesina ante sus ojos a su pareja dejándola a ella maltrecha por varias semanas.

Esta es la presentación de la historia y lo que sigue es el cruel descenso al infierno de un personaje que intentará ajustar cuentas por su propia mano al ver que la policía y la justicia no hacen nada. El título (La extraña que hay en tí) hace referencia al "otro-de-sí", al alter ego vengativo, frío y violento que reside dentro de ella y que emerge cuando no hay otra salida y cuado sólo el miedo llena los espacios.

Curiosamente, hace más de 30 años, Martín Scorsese filmó Taxi Driver (1976), una de sus obras maestras, con Jodie Foster y Robert De Niro en el rol del taxista Travis Bickle que se lanza en una cruzada propia para limpiar la ciudad de tanta escoria humana. Notable en su tratamiento y en su lenguaje visual, Taxi Driver ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes de aquel año pese a los regañadientes de Tennesse Williams, presidente del jurado, "por la violencia que se mostraba en pantalla"... algo paradógico para un dramaturgo cuyas obras respiran una fuerte violencia interior como los personajes de Un tranvía llamado deseo, La gata sobre el tejado caliente o El Zoo de Cristal.

Neil Jordan (El juego de las lágrimas, Entrevista con el Vampiro) dirige esta película que está al borde de la polémica con los preceptos de la moral kantiana en su recomendación de "no hagas a otro lo que no quieres que te hagan a tí" y con lo que se pretende salvar la integridad del planeta. El filme, que también recuerda la serie del vengador anónimo que protagonizó Charles Bronson, no escapa a estas concepciones de convertirlo en foco de las ligas antifascitas que podrán señalar la existencia de un orden natural en el mundo y que la justicia es para los jueces y no para quien quiera aplicarla en las calles por mucho salvajismo que haya. Por cierto, también estarán aquellos que adoptarán la tesis de hacer justicia por cuanta propia dado que la real no llega nunca.

Eso ocurre cuando el guión es débil (¿relacionado, quizá con la huelga de guionistas de Hollywood?) y que pese a los esfuerzos de Jordan por dar sentido a la tragedia personal de su personaje le falta la grandeza que si tenía el de Robert De Niro: su cruzada abrazaba el objetivo de limpiar las calles para liberarse él y también para liberar al personaje de Jodie Foster de la prostitución y la droga.

Si bien Jodie Foster está notable en su rol (puede ser candidata al Oscar) y que este thriller avanza a buen ritmo en el susopenso y la emoción, aún pena la grandeza de Taxi Driver.

LA GENIAL DIVERSIÓN DE "CHILE PUEDE"

2008-01-04T13:00:00.001-03:00

Una comedia sanamente divertida nos trae el director de "La Frontera"

Uno de los aportes principales que se agradecen en esta graciosa y brillante comedia es la diversidad en las generaciones y escuelas actorales que pueblan la pantalla. Desde la grandiosa Bélgica Castro hasta la juvenil Javiera Contador, pasando por Boris Quercia, Sergio Hernandez, Willy Semler, César Arredondo, Alvaro Rudolphy, Luis Greco, Eugenio Morales, Tonka Tomicic. Todos aportan lo suyo en esta comedia ingeniosa, exuberante, en la que quizá sólo falta el homenaje a Rodolfo Bravo, el primero que se embaló con la idea de esta película y cuyo accidente automovilístico retrasó el proyecto casi diez años.
Chile Puede muestra varias historias que son una mirada transversal a esa cosa llamada chilenidad y que con la globalización se está dando a conocer en el mundo con mayor o menor agrado: el quijotismo, la agudeza, la iniciativa, el emprendimiento, que aunque sea a medio pelo, es emprendimiento al fin. Ejemplos de estas historias son la del profesor de castellano que acepta un concurso para subir al cielo y aspirar a ganar un mejor sueldo, la del periodista encalillado que se cruza con una nota que le puede dar gran rentabilidad; la del empresario ambicioso que quiere hacer temblar al mundo y demostrar a la superpotencia que no está sola en la carrera espacial porque, como reza su eslogan “El cielo es para todos”, que recuerda casi casi al de “la tierra es para quien la trabaja”, aquí el Espacio es para quien se atreva a explorarlo, lo que pone los pelos de punta a los “Guardianes de la Seguridad Mundial”. Por otro lado está un ex ingeniero de la Soyus que pasa sus últimos dìas en Atacama vendiendo artículos eléctricos; una vendedora de lencería que vive la pérdida de un romance… A estas historias grandes y protagónicas se incorpora el segundo círculo de las historias mediáticas: el Ministro del Interior, el General de la FACH, el Embajador de la potencia, el Jefe del Pentágono, los marines, el encargado de un hotel, el editor del diario, un camarógrafo, etc..
Todos estos elementos los alterna el director Ricardo Larraín en dosis perfectas, condimentando sabiamente los recursos dramáticos y humorísticos que aportan a esta película el tono de comedia desbordante con un ritmo enriquecido por el manejo de las situaciones colaterales que el lanzamiento de una nave espacial genera en todos sus ámbitos: desde la crisis intrerna del empresario que es abandonado por su equipo; la hipertrofiada mentalidad del Pentágono que ve en esto una maniobra de Al Qaeda, corroborada in situ por las marines en secuecias de gran comicidad que recuerdan los gags de Laurel y Hardy o los tres chiflados, o el propio Woody Allen.
La impecable factura técnica de este filme recuerda Kiltro, otro gran estreno del cine chileno que muestra una nueva cara, desafiante, cuyo guión es explicitamente anti Imperio y demuestra que no por nada fuimos los únicos del continente en decir un gran NO a la invasión yanqui a Irak, hoy por todos aborrecida.
Chile Puede es una comedia que levanta el ánimo, que sacude la modorra y Larraín, de quien se recuerda La Frontera con Gloria Lazo y Patricio Contreras, da un paso adelante con esta comedia plena y sanamente divertida que junto a mostrar el temperamento chileno invita a ser disfrutada de principio a fin.

La Intérprete

2007-12-28T15:28:00.001-03:00

En 1959, Hitchcock no consiguió autorización para filmar una escena crucial en el edificio de las Naciones Unidas con el crimen que envuelve a su protagonista Cary Grant en la pesadillezca trama macabra de espionaje y contraespionaje encabezada por James Mason. Ese filme fue North by Northwest y está dentro de lo más selecto del maestro del suspenso. El genio filmó con cámara oculta los exteriores y recreó en estudio la célebre secuencia del asesinato que involucra de lleno al publicista interpretado por Grant. Desde entonces, el edificio de la Segunda Avenida de Nueva York reforzó su vigilancia para no aparecer en cintas de modo sorpresivo.

Esta vez es Sydney Pollack quien sí consigue autorización de la ONU para filmar en todos sus salones esta producción de Hollywood que interpreta Nicole Kidman. Treinta años después de la conspiración política y criminal que desarrolló en Los tres días del Cóndor, con Robert Redford en el rol del agente de la CIA, Pollack muestra una trama siniestra en la cual la Kidman escucha algo que nunca debió ser escuchado y comienza toda una persecución en torno a ella para darle muerte.

Nicole Kidman interpreta a Silvia Broome, una nativa de Matobo, república ficticia de Africa que atraviesa por una escalada de violencia y sangre en la cual sus propios padres pierden la vida en manos de un dictador. Llega a la ONU con su currículo de políglota y se hace cargo de las lenguas nativas de Africa. En eso, escucha al dictador de Motobo pronunciar las palabras fatales que le significaran ser asediada por asesinos mientras al interior de la organización nadie cree sus dichos. Es más, muchos parecen ser cómplices del atentado y se muestran complacientes al genocidio. ¿Dónde está el enemigo?

Aquí entra en escena el agente Keller (Sean Penn) quien tiene motivos para sospechar de Silvia por su pasado en Matobo y su posible participación en la planeación del atentado. Porque en esta película de Pollack todos son sospechosos y las maquinaciones políticas e ideológicas tiene solo un beneficiario. Lástima que Pollack desvíe el rumbo del nervio central y quite tensión a este thriller político para privilegiar el desarrollo de las traumáticas historias de sus protagonistas, que esta vez no son ni Redford ni Faye Dunaway.

HERZOG, LA NATURALEZA COMO REDENCIÓN

2007-12-15T20:05:00.000-03:00

Sólo Werner Herzog podía narrar esta historia de castigo y sobrevivencia en las selvas vietnamitas con la pureza y sobriedad de un auténtico sobreviviente. Nadie más que Herzog podía revivir un drama real de hace cuarenta años en lo que fue el amanecer del conflicto bélico que se prolongó por más de una década y que permitió a la industria del cine desarrollar una apabullante secuela de obras (Apocalipsis Now, El Francotirador, La delgada línea roja) que quedan en la nada frente al genocidio y la violencia real de Irak o Kosovo.
Sólo Werner Herzog, conocedor de los desiertos y las selvas donde la vida se pone a prueba en cada segundo (Fata Morgana, Fitzcarraldo); el vacío, la indiferencia, el abismo y el sin sentido del Ser (Señales de Vida); Herzog, otrora gigante y maestro con sus películas deslumbrantes sobre vidas mínimas, al borde del precipicio y la indiferencia (También los enanos comenzaron desde pequeños, El enigma de Kaspar Hauser, Strozek); Herzog, al fin de regreso en las pantallas con una historia que no da tregua, que no trepida en lagunas de silencio; Herzog, que alguna vez cruzó en línea recta Europa, a pié, atravesando montañas y ríos como el protagonista de Rescue Dawn para con ello sanar a la maestra Lotte Eisner (narradora en Fata Morgana, teórica del cine, y autora del clásico La pantalla diabólica); Werner Herzog, sí, el mismo loco de siempre que se agarró a balazos con Klaus Kinski en la filmación de Fitzcarraldo, y al cual igual le dedicó una obra Mi enemigo íntimo y con quien no podía dejar de filmar Nosferatu, el mejor homenaje al expresionismo alemán; Werner Herzog, aquel de los travelling eternos por los desiertos que recuerdan nuestro desierto de Atacama, sólo que con Leonard Cohen en la banda sonora cuando recién el autor de Suzanne lanzaba su primer disco.

Werner Herzog, ausente de las pantallas durante más de una década, se despacha con Rescue Dawn, su primera producción estadounidense, una obra enorme con esta historia del piloto de avión que sufre un accidente en plena selva vietnamita, debiendo superar los escollos del campo de reclusión, el hambre y la tortura para planear una heroica huida con un puñado de prisioneros de guerra en las condiciones más extremas. Christian Bale (Batman Begins, El Gran Truco, El Nuevo Mundo), en el que es su mejor rol hasta la fecha, interpreta al piloto que debe desafiar al destino para recuperar la libertad.
La libertad, ese tema tan caro a Robert Bresson (Un condenado a muerte a se ha escapado) y que a veces queda en mero alarde (Expreso de medianoche) es aquí la esencia que moviliza el sentir del protagonista Dieter Dengler para desafiar el destino y luchar por la vida.
A diferencia de Stroszek, el protagonista de Señales de Vida (Lebenszeichen, 1968), que también es un soldado y queda abandonado en el fortín de una trinchera griega, Dieter logra controlar la locura que lo separa del mundo racional. En ese mundo de pesadilla que le toca vivir, comiendo gusanos y serpientes, justifica su sentido íntimo de buscar la libertad.
Este filme de Herzog (no podía ser de otra manera) está basado en la historia real de su compatriota Dieter Dengler, que formó parte de una de las primeras incursiones “altamente secretas y confidenciales” a la península asiática en búsqueda de los siempre potenciales enemigos de los Estados Unidos.
Si bien la música de este nuevo filme no alcanza los sensibles efectos de la de Stavros Xarhakos de Lebenszeichen, la de Popol Vuh en ésta logra entregar a la selva la condición de paraíso salvaje, presto al derroche de la vaciedad humana, naturaleza que sirve como espacio de redención de personajes absurdos e inmensamente humanos.

Marco Antonio Moreno

Te Extrañamos, Fassbinder!

2007-12-11T01:33:00.000-03:00

Cuando vemos el promisorio avance del cine alemán de los últimos años con títulos que se abren merecido espacio en las carteleras y cinematecas como La vida de los otros, de Florian Henckel, Good Bye Lenin, de Wolfgang Becker, Contra la Pared de Fatih Akin o El Noveno Día, de Volver Schlöndorff, no podemos olvidar esa época dorada del llamado Nuevo Cine Alemán que protagonizaron Herzog, Fassbinder, Wenders, Kluge y Schlöndorff, entre otros, en aquellos desafiantes años 70 y 80.
Gran parte de esta cinematografía era dada conocer infaltablemente todas las semanas en el Goethe Institut de Esmeralda 650, donde se mostró casi la totalidad de la obra de los artistas mencionados.
Señales de Vida, Fata Morgana, También los enanos comenzaron desde pequeños, de Herzog, así como La súbita riqueza de los pobres de Kombach, o El honor Perdido de Katarina Blum, de Schlöndorff., Alicia en la ciudad o Movimiento Falso, de Wenders, o Los artistas bajo la cúpula del circo, de Alexander Kluge, quizá uno de los más olvidados, constituían un auténtico refrigerio que oxigenaban los días poco calmos de una dura dictadura.
Plato fuerte e importante era el cine de Rainer Werner Fassbinder, quien en 1982, y a la edad de 37 años, con 43 películas en sus hombros, fallecía producto de una sobredosis al más puro estilo y destino de un artista rockero como lo fueron Jimmy Hendrix, Janes Joplin o Jim Morrison.
Y es que Fassbinder encarnó la esencia del artista comprometido con las causas de la pureza y la desintegración. Todos sus personajes transitan por espacios donde la infelicidad, la represión, el abuso y la discriminación sellan y demarcan esa angustia que corroe el alma.
Admirador de la Nouvelle Vague francesa y de los hollywoodenses Douglas Sirk y Raoul Walsh, cuyas temáticas del desencanto y la frustración calaron hondo en el autor de El amor es más frío que la muerte, Fassbinder adquirió la personalidad de un “monstruo” del cine quizá solo comparable a Orson Welles: dirigía, actuaba, escribía el guión, la música, y era camarógrafo y montajista (firmaba como Franz Walsh). La filmación de Las amargas lágrimas de Petra von Kant (1972) le llevó sólo diez días. En catorce años de producción realizó sus 43 obras (incluyendo Berlin Alexanderplatz, una serie para la TV de 15 horas), lo que indica un promedio de un filme cada 100 días. Todo un récord.
Fassbinder fue el más original, prolífico y radical de una generación de cineastas que fue también la más importante del cine de la posguerra a partir del célebre “manifiesto de Oberhausen” de 1962, en el cual 26 jóvenes directores se propusieron crear un nuevo cine “liberado de las convenciones de la industria establecida”.
En 1992, al cumplirse diez años de su muerte, un crítico escribió su nota de homenaje como si fuera un titular de portada “Extrañamos a Rainer”. Y no era para menos. Tras su muerte, el cine alemán perdió gran parte de su vigor creativo.
A Fassbinder se le debe el descubrimiento de una gran cantidad de actores y actrices importantes como Hannah Schygulla, Barbara Sukowa, Kurt Raab. Trabajó con Dirk Bogarde, Jeanne Moreau, Franco Nero y Brad Davis y trasladó al cine obras inquietantes como Nora Helmer, de Ibsen, Desesperación, de Nabokov, o Querelle, de Jean Genet.
Su cine nunca estuvo exento de la polémica por la fuerza con que describía la explotación capitalista o la hipocresía de la izquierda, pero sobretodo la desigualdad entre los grupos humanos y la infelicidad que la sociedad produce en hombres y mujeres.
Al igual que Woody Allen, Fassbinder fue rechazado en la Escuela de cine de su país. Así y todo consiguió más laureles que cualquiera de los alumnos graduados. Hacia fines de los 70 era todo un ícono y podía filmar con grandes presupuestos (El matrimonio de María Braun, Desesperación, Lili Marleen, Lola).
Tras su muerte, uno de los creadores de la Nouvelle Vague francesa, Jean Luc Godard dijo: “Cómo no iba a morir joven, si él solo construyó el Nuevo cine alemán”.
Hoy su cine se sigue proyectando en los ambientes universitarios y gracias al DVD sus obras se abren a una creciente gama de admiradores y curiosos intrigados en desentrañar los misterios de un cineasta inclaudicable y potente que marcó toda una época en el cine no convencional y antiburgués y en una época en la cual aún estaba abierta la utopía del hombre libre.
Este es sólo un pequeño reconocimiento a los 25 años de su muerte, y de la cual no podía estar ausente.

Marco Antonio Moreno.
Crítico de cine (1977-1991) .
Miembro del Círculo de Críticos de Arte de Chile (1982-1991)

David Lynch y su personal estética del cine

2007-12-03T01:16:00.000-03:00

A propósito del próximo estreno de Inland Empire, unas palabras sobre el genial creador de Twin Peaks

Un cine hipnótico y seductor

David Lynch se ha especializado en construir películas donde la plasticidad, lo etéreo y lo propiamente pesadillezco se establece como el eje narrativo de historias cuyos personajes pierden todo contacto con la realidad y terminan enfrentados ante un otro que no es más que el otro-otro-de-sí mismo.
Es esta particularidad del cine de Lynch: plástico, discontinuo, inquietante, con trazos de obra experimental, unido a relatos donde se mezcla lo real con lo fantástico de la mente de sus personajes, lo que le asigna un lugar muy único y especial en el paisaje cinematográfico de los últimos 30 años, si tomamos como Cabeza borradora (Erasehead, 1977), su primera obra, el origen de esta nueva estética y de historias que dan para mucho ensayo psicoanalítico a lo Lacan o psicosocial a lo Foucault.

Y es que el cine de Lynch es de una intensidad que estremece. Quien haya visto Terciopelo Azul (Blue velvet, 1986), o El hombre elefante (The elephant man, 1980) sabe lo que es asistir a experiencias cinéfilas donde el horror y la pesadilla que ve en pantalla le aprieta el corazón y lo aplasta en la butaca como un escalofrío. No por nada mucha crítica señala que las obras de Lynch "se sienten, se huelen y se tocan". Curioso para un cineasta que no ha hecho de la formalidad estilística a lo Scorsese, Coppola o De Palma, una carta de presentación.
Su cine es intenso porque captura el desvarío, la locura interna de personajes escindidos que resultan atrapados en la espiral de su propia demencia, de su pérdida absoluta de lo que se llama la conciencia. Y su estética recoge los espacios que están siempre ocultos porque están a raz de piso (la oreja de Terciopelo Azul) o pegados al techo (las polillas de Lost Highway) develando que tras la fachada de la normalidad de las apariencias hay todo un universo anormal, pesadillezco.

El desvarío del otro-de-sí

Uno de los casos más emblemáticos es el del músico de jazz de la película Carretera perdida (Lost highway, 1996) interpretado por Bill Pullman, quien al sospechar de la infidelidad de su mujer se involucra en un hecho de sangre y tras una temporada en prisión sufre una "fuga psicogénica" que lo lleva a iniciar una nueva vida en el cuerpo del actor Balthazar Getty. En esta obra maestra compleja y sorprendente de los años 90, es tal la perfecta simetría y asimetría que logra construir Lynch que la presencia del "otro-de-sí" se hace manifiesta y casi natural al espectador lyncheano. La potencia estilística de este relato fantástico es comprendida plenamente al nivel del subconciente: los celos, el yo interior, el otro yo interpretado por Robert Blake en escenas macabras y escalofriantes que solo adquieren sentido en su transmisión visual.
Otro caso ocurre con El camino de los sueños (Mulholland Drive, 2001) donde los sueños de una joven que aspira a ser actriz tropiezan con el retrato real de una auténtica diva a la cual intentará arrebatar y absorber su propia identidad. El otro-de-sí es llevado aquí al paroxismo en lo opuesto de lo que Hollywood representa: la frustración, el miedo, el vacío de todo lo presto a llenarse con cualquier migaja del sistema.

Es un cine potente el de David Lynch. Un cine que no solo nos seduce y encanta con la solemnidad de su puesta en escena o las notables bandas sonoras de Angelo Badalamenti, sino que es un cine que nos atrapa e hipnotiza con una estética y con relatos que nos ayudan a descubrir nuevos paisajes y nuevas dimensiones en el universo siempre vivo del séptimo arte.

Marco Antonio Moreno

Nanni Moretti: El Caimán

2007-11-30T01:58:00.001-03:00

Cine político y desafiante

Nanni Moretti tiene 54 años y lleva 30 dedicados al cine en lo que constituye una de las obras más singulares del cine moderno. Considerado por algunos como el Woody Allen italiano (escribe, dirige y protagoniza sus filmes), Moretti es un heredero de la gran tradición de la comedia de Monicelli, Scola y Dino Risi, al cual le incorpora los elementos del cine político de Francesco Rosi.
En su último filme, El Caimán, aborda una voraz crítica al ex premier italiano Silvio Berlusconi, magnate de la televisión y los medios de prensa escrita, a cuya derrota en la elecciones del 2006 sin duda contribuyó en buena parte este filme.
Il Caimano, presenta la historia de un productor de cine de la Serie B que está en crisis tanto profesional como familiar y social, enfrentando deudas, proyectos de poca monta y el abandono tanto de sus colaboradores como de su propia esposa. A este productor de pronto le llega un guión con la historia de un personaje que no es ni más ni menos que el propio Berlusconi, lider de la derecha italiana. Mientras se hace trizas su matrimonio (inolvidable el momento cuando en la banda sonora se escucha el tema de Damien Rice The blower's Daugther, del filme Closer, de Mike Nichols) , el productor se esfuerza por llevar adelante el proyecto pese a la negativas de los grandes estudios, entre ellos la RAI, y al desmantelamiento de su equipo. Varios actores interpretan al político, y el propio Berlusconi aparece en tomas de archivo recuperadas de la TV Italiana.
El incentivo para realizar el filme lo explica Moretti: "La aventura política de Berlusconi es gravísima. Sólo en Italia alguien que es dueño de la mitad de los canales de televisión, de los diarios y las radios, y que tiene intereses económicos en todos los sectores industriales, puede hacer política y llegar a ser Primer Ministro. Eso es algo inaceptable para cualquier democracia avanzada".
En el filme, Moretti da cuenta de la vanalización cultural y social de la Italia que abrazó el modelo económico neoliberal para fracturarla en dos y crear una total polarización. Así como en Palombella Rosa (1988), Moretti acertaba brillantemente a la crisis de la izquierda producto del entrampamiento soviético (un año antes de la caída del Muro de Berlín), esta vez abre luces sobre la exclusión social de un mundo envuelto en la parafernalia, el consumismo y el vacío neoliberal.
Junto con ser un filme de corte y denuncia política, Il Caimano es también una película sobre la familia y sobre el cine dentro del cine que por momentos recuerda La noche americana, de Francois Truffaut, una de las obras más logradas en su narrado del proceso interno de la producción cinematográfica. Junto a Moretti, en este filme actúa también Michel Placido (conocido por sus comedias eróticas de los años 70) y Giuliano Montaldo, el director de aquellos inolvidables clásicos del cine de denuncia política como son Sacco y Vanzetti (1971), y Giordano Bruno (1974). Todo un homenaje al cine.

El manuscrito encontrado en Zaragoza

2007-11-27T02:35:00.000-03:00

La Odisea de Jan Potocki y Wojciech Has

Compañero de generación de Andrzej Wajda (Danton, Cenizas y Diamantes, El hombre de Mármol), la obra de Wojciech Has (1925-2000) se centró en el cine de divulgación científica y los documentales. No obstante, en 1965, Has emprendió la tarea de llevar a la pantalla la sorprendente novela gótica de Jan Potocki El manuscrito encontrado en Zaragoza escrito entre 1797 y 1805, de la cual circularon durante más de cien años sólo pruebas parciales de imprenta y que recién en 1958 vio la luz en forma más o menos íntegra.

Esta delirante obra del conde Jan Potocki (1761-1815), especie de Decameron polaco, transcurre en los tiempos napoleónicos y narra las extraordinarias peripecias del noble caballero Alphonse Van Worden en su camino a Madrid, cruzando la quijotesca Sierra Morena y teniendo innumerables encuentros con toda clase de excentricos personajes: desde hermosas princesas a curiosos ermitaños en historias dentro de otras historias, a modo de cajas chinas, que llevan el relato siempre en espiral.

El filme es protagonizado por el actor Zbigniew Cybulski -que ya se había dado profusamente a conocer con Cenizas y diamantes de Wajda (1958)- y toma la primera parte del texto de Potocki estructurando un relato que transmite el rigor mágico y surrealista de Cervantes, Picasso y Dalí. Este filme ha inspirado a grandes creadores como Terry Gilliam, de la cual Las aventuras del Barón Munchausen es una de sus muestras.

Por eso no es extraño que esta haya sido una de las obras favoritas de Luis Buñuel, quien en su autobiografía titulada Mi último suspiro (1977) escribió "Me encanta El Manuscrito encontrado en Zaragoza, ambas, la novela de Potocki y la película de Has. He visto la película tres veces lo que, en mi caso, es absolutamente excepcional". La influencia que este filme tuvo en la obra de Buñuel se detecta principalmente en El discreto encanto de la burguesía (1972) y El Fantasma de la Libertad (1974), obras maestras del cineasta andaluz.

Y Buñuel no ha sido el único fanático de este filme. Martin Scorsese recolectó todas las copias existentes del filme para restaurar la obra junto a Francis Ford Coppola, tarea que también hicieron años atrás con el Napoleón de Abel Gance. El filme restaurado fue estrenado el pasado mes de mayo en Europa. Y si bien su llegada a los cines chilenos está en duda, ya se encuentra disponible en dvd.

Marco Antonio Moreno

Woody Allen escribe sobre Bergman

2007-11-27T02:29:00.000-03:00

A raíz del fallecimiento del gran cineasta sueco, numerosas publicaciones de todo el mundo solicitaron a Woody Allen unas palabras de despedida para el maestro y amigo a quien Allen citó en muchas de sus obras.
Este es el texto que el creador de Annie Hall y Manhattan escribió sobre una de las indiscutidas máximas figuras del cine mundial. Es un texto emotivo e intimo que refleja el afecto y la admiración de Allen por el cineasta sueco, al tiempo que da cuenta de la pasión y majestuosidad que Bergman imprimió al Séptimo Arte

Un hombre de preguntas difíciles

Woody Allen 22/08/2007

Me enteré de que había muerto Bergman en Oviedo, una pequeña y encantadora ciudad del norte de España en la que estoy rodando una película. Cuando estaba en pleno rodaje, me dieron el recado telefónico de un amigo mutuo. Bergman me dijo una vez que no quería morir en un día soleado; como no estaba allí, no sé si logró tener ese tiempo gris que tanto gusta a todos los directores; así lo espero.
Lo he dicho en alguna ocasión, hablando con gente que tiene una visión romántica del artista y considera sagrada la creación: al final, el arte no salva a la persona. Por muy sublimes que sean las obras que uno ha creado (y Bergman nos proporcionó un menú de asombrosas obras maestras del cine), no le protegen de la fatídica llamada a la puerta que interrumpía al caballero y sus amigos al final de El séptimo sello. Y así es como, en un veraniego día de julio, Bergman, el gran poeta cinematográfico de la mortalidad, no pudo prolongar su inevitable jaque mate; y con él falleció el mayor cineasta de todos los que yo he conocido.

Alguna vez he dicho, en broma, que el arte es el catolicismo del intelectual, es decir, una voluntad de creer en el más allá. Yo creo que, más que vivir en el corazón y la mente del público, preferiría seguir viviendo en mi apartamento. Y es evidente que las películas de Bergman seguirán vivas, en museos, televisiones y DVD, pero, conociéndole, ésa es poca compensación, y estoy seguro de que le habría encantado cambiar cada uno de sus filmes por un año más de vida. De esa forma habría podido disfrutar, aproximadamente, de 60 años más para seguir haciendo películas; una producción extraordinaria. No tengo la menor duda de que a eso habría dedicado el tiempo extra, a hacer lo que más le gustaba de todo: crear películas.
Bergman disfrutaba con el proceso. Le importaba poco lo que pensaran de sus películas. Le gustaba que le apreciasen, pero, como me dijo una vez, "Si una película que he hecho no gusta, me preocupa... durante unos 30 segundos". No le interesaban los resultados de taquilla; productores y distribuidores le llamaban para contarle cómo había ido en el primer fin de semana, pero las cifras le entraban por un oído y le salían por otro. Decía: "A mitad de semana, sus absurdos pronósticos optimistas se quedan en nada". Gozaba del aplauso de la crítica, pero nunca lo necesitó, y, aunque quería que a los espectadores les gustaran sus obras, no siempre las hacía comprensibles.

No obstante, las que más costaba comprender merecían la pena. Por ejemplo, cuando uno entiende que las dos mujeres en El silencio no son, en realidad, más que dos aspectos enfrentados de una misma, el filme, que hasta entonces es un enigma, se abre de manera fascinante. También resulta útil refrescar los conocimientos de filosofía danesa antes de ver El séptimo sello o El rostro, pero sus dotes de narrador eran tan asombrosas que podía cautivar, fascinar al público con un material difícil. He oído decir a gente que salía de alguna de sus películas: "No entiendo exactamente lo que he visto, pero me ha tenido en ascuas hasta el último plano".
Bergman tenía raíces teatrales y era un gran director de escena, pero su obra cinematográfica no estaba embebida sólo de teatro; se inspiraba en la pintura, la música, la literatura y la filosofía. Su obra examina las más hondas preocupaciones de la humanidad y produce, muchas veces, profundos poemas en celuloide. La mortalidad, el amor, el arte, el silencio de Dios, la dificultad de las relaciones humanas, la agonía de la duda religiosa, el fracaso de un matrimonio, la incapacidad de comunicarse de las personas.
Y, sin embargo, era un hombre cálido, divertido, bromista, inseguro de su inmenso talento, enamorado de las mujeres. Conocerle no era entrar de pronto en el templo creativo de un genio temible, intimidante, sombrío y melancólico, que entonase con acento sueco complejos análisis sobre el terrible destino del hombre en un universo deprimente. Era más bien así: "Woody, tengo un sueño estúpido en el que aparezco en el plató para rodar una película y no tengo ni idea de dónde poner la cámara; lo que pasa es que sé que se me da bastante bien y llevo muchos años haciéndolo. ¿Alguna vez tienes tú este tipo de sueños angustiosos?". O: "¿Crees que puede ser interesante hacer una película en la que la cámara nunca se mueva ni un centímetro y los actores entren y salgan del encuadre? ¿O la gente se reiría de mí?".

¿Qué contesta uno por teléfono a un genio? A mí no me pareció una buena idea, pero, en sus manos, supongo que habría acabado siendo una cosa especial. Al fin y al cabo, el vocabulario que inventó para investigar las profundidades psicológicas de los actores también debía de parecer absurdo para quienes aprendían a hacer cine de manera ortodoxa. En la escuela de cine (estudié cine en la Universidad de Nueva York en los años cincuenta, pero me echaron enseguida), daban siempre la máxima importancia al movimiento. El cine son imágenes en movimiento, decían, y la cámara tiene que moverse. Y los profesores tenían razón. Pero Bergman colocaba la cámara sobre el rostro de Liv Ullmann o el de Bibi Andersson, la dejaba allí sin moverla, y pasaba el tiempo, y ocurría algo maravilloso y exclusivamente propio de su talento. El espectador se veía atrapado por el personaje y, en vez de aburrirse, salía entusiasmado.

A pesar de sus manías y sus obsesiones filosóficas y religiosas, Bergman era un hilador de historias nato, que no podía evitar ser entretenido incluso cuando, en su cabeza, estaba dramatizando las ideas de Nietzsche o Kierkegaard. Yo tenía largas conversaciones telefónicas con él. Me llamaba desde la isla en la que vivía. Nunca acepté sus invitaciones porque me preocupaba el viaje en avión, no me apetecía volar en avioneta hasta un puntito cerca de Rusia en el que la comida iba a consistir probablemente en yogur. Siempre hablábamos de cine y, por supuesto, yo dejaba que hablase sobre todo él, porque me parecía un privilegio oír sus ideas. Veía cine a diario y nunca se cansaba de ver películas. De todo tipo, mudas y sonoras. Antes de dormirse veía alguna película que no le hiciera pensar para relajarse; a veces, una de James Bond.

Como todos los grandes estilistas del cine, como Fellini, Antonioni y Buñuel, por ejemplo, Bergman tuvo sus detractores. Pero, aparte de algún desliz ocasional, las obras de todos estos artistas han encontrado ecos profundos en millones de personas de todo el mundo. Y la gente que más sabe de cine, los que lo hacen -directores, guionistas, actores, directores de fotografía, montadores- son quizá los que más veneran la obra de Bergman.
Como le he elogiado con tanto entusiasmo durante tantos años, tras su muerte muchos periódicos y revistas me han llamado para pedirme un comentario o una entrevista. Como si yo tuviera algo de valor que añadir a la triste noticia, aparte de volver a ensalzar su genialidad. ¿Qué influencia tuvo en mí?, me preguntan. No puede haberme influido, respondo, él era un genio y yo no lo soy, y el genio no puede aprenderse ni su magia puede transmitirse.

Woody Allen